100 visu laiku labākās filmas

Slavenais Čīles un Francijas kinorežisors, dzejnieks, dramaturgs un mūzikas komponists Alehandro Jodorovskis Prullanskis savulaik teica:'Es vienmēr esmu domājis, ka kino no visām mākslām ir vispilnīgākā māksla.'ES piekrītu. Vairākos veidos kino patiesībā ir visu citu nozīmīgu mākslas veidu apvienošana: glezniecība, rakstīšana un mūzika. Nevar būt nejaušība, ka kino ir arī modernākais mākslas veids. Galu galā, lai kino varētu pastāvēt, bija nepieciešama citu mākslas veidu evolūcija. Fakts, ka tā joprojām ir vispopulārākā mākslas forma gandrīz no tās parādīšanās brīža, norāda gan uz tās stiprumu, gan par vājumu: tā ir viegli pieejama un tāpēc vairāk komercializējama.

Paturot to prātā, es ar prieku iepazīstinu jūs ar The Cinemaholic’s sarakstu100 visu laiku labākās filmas. Pirms sākat izpētīt mūsu top 100 visu laiku uzņemto filmu sarakstu, atgādināsim sev vēlreiz, ka saraksti pēc būtības nekad nav perfekti. Tātad, mēs neapgalvojam, ka tas ir Svētais Grāls no pasaules absolūti labāko filmu saraksta. Bet es varu jums apliecināt, ka šī saraksta sastādīšana ir veikusi daudz pētījumu. Tika apsvērti tūkstošiem filmu nosaukumu, un tika apspriesta katra pēdējā izvēle. Esmu pārliecināts, ka sarakstā atradīsit daudzas jūsu iecienītākās filmas. Trūkst arī daudzu manu izlases! Bet tā vietā, lai par to sarūgtinātos, izmantojiet šo iespēju, lai apskatītu filmas, kuras neesat redzējis. Kas zina, jūs galu galā atradīsit savu jauno (-os) iecienīto (-os)!



100. Šerbūras lietussargi (1964)



Žaks Demijs savu romantisko operu iekrāso ar maigu, pārmērīgu izsmalcinātību, kas izpaužas kā mazliet hipsters. Bet šī krāsa ir ne tikai uz sienām, drēbēm un lietussargiem. Tas ir arī uz jaunas, neiespējami iemīlētas meitenes vaigiem, kad viņa šķērso ielu, lai apsveiktu savu mīļoto un tās neesamību, kad mēs redzam šo seju plīvurā, jauno meiteni tagad ir kāda cita līgava. Ir krāsa, arī tas, kā cilvēki runā, vai, precīzāk sakot, dzied viens otram. Bet viņu liriskās sarunas nerimē kā lielākā daļa dziesmu. Kad viss, sākot ar mīlestības profesijām un beidzot ar bažām par naudu, ir saistīts ar neatšķiramu aizraušanos, tas nedotu jums daudz laba, ja dotos zvejot atskaņu vai iemeslu dēļ. Kaut arī filma un visas tās melodiskās atklāsmes, ko atbalsta Mišela Legranda neīstā mūzika, ir sirsnīgi romantiskas, visi mūsu varoņu lēmumi, tāpat kā viss dzīvē, noteikti nav tādi.

Tik nogurdinoši pazīstamam sižetam, redzot, ka tas ir neskaitāmu popdziesmu un ziepju operu pamats, katrs melanholijā plīstošais ‘Cherbourg lietussargu’ kadrs ir pievilcīgi svaigs, pat nepazīstams. To var attiecināt uz to, cik patiesas ir emocijas un cik patiesa ir to izpausme. Darbojoties tikpat pazemīgā mērogā, kā tas ir, lietussargi jūs posta ar vismazākajām atstarojumiem. Es biju neizpratnē par to, cik būtiska varētu būt divu tukšu krēslu ietekme, kurus reiz bija piepildījuši abi mīlētāji. Dēmija labprāt pagatavotajā gardumā mēs maršējam karnevālos, kas piepildīti ar lentēm un konfeti, rotājam eglītes un pasniedzam viens otram dāvanas, iejūtot visus savus noskaņojumus kaut kur sirds kaktiņos, jo neatkarīgi no tā, cik smagi ir kāda cilvēka prombūtne vai pagātne ir aizmirst, viss, ko mēs varam darīt, ir dzīvot mūsdienu fantāzijā.



99. Trainspotting (1996)

Ir mazliet grūti izskaidrot tādus sinefīļus kā mēs par ‘Trainspotting’ fanātismu. Tas notika ap laiku, kad narkotiku realitāte tikko bija sākusi grimt. Varētu teikt, ka tas glamūrēja narkotiku lietošanu un zināmā mērā tā ir taisnība. Fakts, kas no tā iznāca, bija Denija Boila mēģinājums parādīt narkotiku lietošanas augsto un zemāko līmeni, neieņemot nostāju. ‘Trainspotting’ ir kulta filma, kurā tiek stāstīts par četriem draugiem un viņu atkarību. Nežēlīgi un dīvaini ir vienīgie divi vārdi, kas to raksturo. Narkomāns, kurš vēlas iztīrīties, lai katrā solī klibotu, pateicoties visdziļākajai vēlmei paaugstināties. Filma, kas tiek dāsni pārdozēta ar humoru, mēģina ar nopietnu nopietnību pasvītrot faktu: Neskatoties uz dzīves piedāvāto greznību, jaunieši tos ļoti noraida. Un cēloņi? Nav iemeslu. 'Kam vajadzīgi iemesli, kad esat ieguvis heroīnu?'

98. Absolvents (1967)

Ak, jaunības dienas! Neuzmanīgs un priecīgs. Jautrība piepildīta ar neuztraucamu. Nav rūpes par pagātni, kas ir palikusi aiz muguras, un neuztraucieties par nākotni, kas vēl tikai gaidāma. Pēc koledžas beigšanas šo bezrūpīgo dzīvi vadīja Bendžamins Bredoks. Un, kad viņš beidzot atgriezās dzimtajā pilsētā, viņš satika Robinsonas kundzi. Afēras liesma sāk dedzināt. Dzīve piedzīvo viltīgu pagriezienu, kad jaunais Bens kļūdās par seksu kā biedru. Tas kļūst nepārdomāts, kad viņš krīt uz meitu. Filma, kas liek domāt, komēdijas tērpā ‘The Graduate’ ir viena no visu laiku smieklīgākajām filmām. Galvenajā lomā Dastins Hofmans, tajā ir redzama ikoniskā līnija - ‘Robinsonas kundze, vai jūs mēģināt mani savaldzināt?’



97. Veronikas dubultā dzīve (1991)

Varbūt neviens cits filmu veidotājs nesaprata sievietes tik dziļā emocionālā dziļumā, kā to darīja Kšištofs Kīslovskis. Vīrietis vienkārši viņus mīlēja, un viņš to parādīja ar tādu kaislību un tuvību, ka jūs nevarat palīdzēt, bet jūtaties sajūsmināts par tā neapstrādāto emocionālo spēku. ‘Veronikas dubultā dzīve’ varētu būt tikai viņa lielākais mākslinieciskais sasniegums. Filma ir par sievieti, kurai sāk likties, ka viņa nav viena un ka kaut kur pasaulē viņa dzīvo citā dvēselē. Veronika un Veronika ir divas identiskas sievietes, kuras viena otru nepazīst un tomēr kopīgi noslēpumaini intīmas emocionālas saiknes starp tām. Slawomir Idziak augsti stilizētā kinematogrāfija glezno filmu ar maigi melanholisku sajūtu, kas tevi apvij un nepamet. Ir jūtas un emocijas, kuras mums ir ļoti grūti izteikt vārdos, un filma piešķir dzīvību tām neizskaidrojamajām domājošo skumju un vientulības izjūtām. ‘Veronikas dubultā dzīve’ ir satriecošs mākslas darbs, kas attēlo cilvēka dvēseli visās tās skaistajās vājībās un maigumā.

96. Kino Paradiso (1988)

Daudzi cilvēki kino uzskata par indulgenci, atpūtas aktivitāti, izklaidi, kurai dzīvē nav nekādu seku. Bet es ar dedzīgu sinefīļu armiju, kas dedzīgi atbalsta mani, es ar pilnīgu pārliecību varu apgalvot, ka kino ir tikpat vajadzīgs dzīvei kā dzīve kino. Un ‘Cinema Paradiso’ ir skaists, ja ironisks veids, kā izteikt savu viedokli. Veiksmīgais kinorežisors Salvatore kādu dienu atgriežas mājās ar ziņām, ka Alfrēdo ir miris, un pēc tam viņš atgriežas dzimtajā pilsētā 1950. gadu Sicīlijā. Jaunais un ļaundarīgais Salvatore (iesauka Toto) atklāj ilgstošu mīlestību pret filmām, kas viņu vilina uz ciemata kinoteātri Cinema Paradiso, kur Alfredo ir projekcionists. Pēc tam, kad viņš ir iedomājies zēnu, vecais burbulis viņam kļūst par tēva figūru, jo viņš rūpīgi māca Toto iemaņas, kas būtu atspēriena punkts viņa filmu uzņemšanas panākumiem.

Skatīties, kā Toto un Alfredo ar godbijību pārrunā kino, un redzēt, kā Alfredo sniedz dzīves padomus, izmantojot klasiskas filmu pēdiņas, ir milzīgs prieks. Caur Toto pilngadīgo stāstu ‘Cinema Paradiso’ izgaismo izmaiņas itāļu kino un tradicionālo filmu veidošanas, montāžas un demonstrēšanas mirstošo tirdzniecību, vienlaikus pētot jauna zēna sapni pamest savu mazo pilsētu, lai dotos ārā. Viena no labākajām “filmām par filmām”, kāda jebkad bijusi.

95. Viens pārlidoja dzeguzes ligzdu (1975)

Viena no tām retajām filmu pieredzēm, kas liek uzreiz sajust emociju pārpilnību. Daļēji tas ir smieklīgi, dažos tas ir pacilāts, bet citos - sirds. Tas ir arī viens no citiem retajiem varoņdarbiem vienkāršotā, efektīvā stāstījumā, stāstot par Rendlu Makmorfiju, noziedznieku, kurš cerībā izvairīties no ieslodzījuma laika viltus ir garīgi slims un neatzīst savu vainu ārprātības dēļ. Ierodoties psihiatriskajā iestādē, viņš sacenšas pret autoritāro medmāsu Račedu (kuru spēlē tērauda Luīze Flečere) klasiskā secībā pret haosu. Filma nosaka, ka patiešām nav neviena, kas labāk spēlētu varoņus ar dauzīšanu un šarmu vienādā mērā kā pats Džeks Nikolsons, iegūstot viņam pelnītu Oskara balvu par viņa sniegumu filmā. Tas, kas sākas kā izturīga un sirdi sildoša filma, pāraug līdz traģiskām, lai arī cerīgām beigām, pēc satraucošām ainām, kurās iesaistīta pašnāvība un elektrokonvulsīvā terapija pacientiem. Filma tomēr nekad neatstās skatītāja uzmanību un patosu uz ekrānā redzamajiem varoņiem, izraisot patiesas emocijas un uzmundrinājumu cilvēka garam, kas izplūst pat negaidītas autoritātes priekšā.

94. Pjasaja (1957)

Blīvs ar sociālo pārmaiņu idejām un asu komentāru par pašreizējo sabiedrības ļaunprātību un stigmām ‘Pyaasa’ ne tikai iemiesoja Indijas kino zelta laikmetu, bet arī atspoguļoja pašu Indijas buržuāziju. Tā ir filma, kurai piemīt smalka kvalitāte par sevi, kur visas nekaunīgās patiesības un skarbā sabiedrības realitāte virmo zem virsmas, kas gaida, kad apzinātā auditorija to varēs izpētīt un ekstrapolēt. ‘Pyaasa’ ir mūžīga klasika ne bez pamata. Pat pēc atbrīvošanas 60 gadiem tas joprojām ir aktuāls jaunajos laikos, jo Indiju turpina mocīt tie paši sabiedrības lāsti - korupcija, misogēnija, materiālisms -, kurus ‘Pyaasa’ tieši vai netieši uzrunā.

93. Mūsdienu laiki (1936)

‘Mūsdienu laiki’ ir humoristiska filma ar spēcīgu vēstījumu. Pārnēsājot Čaplina preču zīmju tēmas par cerību un nabadzību, šī aina koncentrējas uz mašīnu un citu tehnoloģisko sasniegumu negatīvo ietekmi uz tautas cilvēkiem, uzmanības centrā pievēršot rūpnīcas strādnieku, kura dzīve piedzīvo daudz līkloču, kad viņš mēģina tikt galā ar jauno pasauli. Lai gan pātaga ir asaru saraustoši smieklīga, to visu satur skumjas trauks. ‘Mūsdienu laiki’ izmanto gudrus, smalkus elementus, lai šad un tad uzdotu svarīgus filozofiskus jautājumus. Kulminācija ir viena no visu laiku aizkustinošākajām, kas saistīta ar skumju laimes formu un nav īstas atbildes vai izšķirtspējas. Šī filma var ļoti labi būt Čaplina vislabāk rakstītais darbs, un ir pārsteidzoši, cik aktuālas šeit izklāstītās idejas ir arī šodien. Neapšaubāmi izturējis laika pārbaudi, mūsdienu laikmeta ceļš, lai dalītos savās domās, iespējams, ir labākais šī kino triumfa aspekts.

92. Plāna sarkanā līnija (1998)

Terenss Maliks Atgriešanos pie filmu veidošanas pēc 20 gadu pārtraukuma iezīmēja šī krāšņi satriecošā kara drāma, kas pēta nevis karu, bet gan kara cīņas emocijas. Filma pēc būtības ir patiesi Malick-ian, ar lielāku uzsvaru liekot uz vizuālo, nevis stāstu, ļaujot iemērkt tās pieredzi. Filmas ģēnijs slēpjas Malika redzējumā redzēt skaistumu tik tumšā un krāšņā kā karā. Nepieciešams absolūts ģēnijs, lai kaut ko tik brutālu un asiņainu kā karš pārvērstu tik hipnotiskā pieredzē, kas pārsniedz kara realitāti un tā vietā ļauj iemērkt tā varoņu emocijas. Tā ir tik visaptveroša pieredze, kas liek jums sajust cilvēkus aiz ieročiem un bumbām. Tās ir izpostītas dvēseles tāpat kā mēs, alkstot pēc smalka pieskāriena, pietrūkstot savu mīļotāju un sievu elpas siltumam, vienlaikus saskaroties ar visnejaukākajām realitātēm, kas atrodas tālu no viņām. ‘The Thin Red Line’ ir vienkārši tāda pieredze kā nevienam citam; tādu, kas ir jāredz, jājūt un jāatspoguļojas.

91. Asmens skrējējs (1982)

Ridlija Skota ‘Blade Runner’ fināla izciršana, manuprāt, ir vislielākā distopiskā filma, kāda jebkad uzņemta. Lai gan Metropolis ir apstrīdama izvēle, ir jāievēro neautentiskie vizuālie elementi, kas saistīti ar vācu ekspresionistu kino. No otras puses, ‘Blade Runner’ ir vairāk nekā ideāls, veidojot pasauli, kas cieš no finanšu nevienlīdzības, iedzīvotāju skaita uzplaukuma, dabiskā trūkuma, jo šeit nevar uzticēties pat miesai. Mirgojošais apgaismojums ir kontekstuāli dabisks, jo tā ir elektroniska pasaule, un Džordans Kronenvets to izmanto līdzīgi kā ikdienas izgaismojošos objektus film noir. Lai gan tas, iespējams, nerada tik plašus jautājumus kā “Kosmosa odiseja”, bet liek mums aizdomāties, vai “androīdi tiešām sapņo par elektriskām aitām”.

90. Fargo (1996)

Vardarbīga, smieklīga, silta un nežēlīgi intensīva ‘Fargo’ ir viena no izcilākajām 90. gadu amerikāņu filmām un viena no izcilākajām jebkad uzņemtajām noziedzības drāmām. Filma ir par cilvēku, kurš nolīgst divus vīriešus, lai nolaupītu sievu un izspiestu naudu no sava bagātā tēva. Koenu brāļu izcilā tumšā humora izmantošana caurstrāvo filmu ar siltuma gaisu, kas filmai piešķir ļoti atšķirīgu toni. Tas ir meistarīgs komēdijas, drāmas un vardarbības sajaukums, kas padara Fargo par tik neaizmirstamu kino pieredzi. Šis krāšņais sniega piepildītais Minesotas sākuma kadrs, ko lieliski papildina spokaini rezultāti, nosaka filmas toni un rada dziļu skumju sajūtu, kas atrodas zem vardarbības un humora, ar kuru filma ir piepildīta. Frančess Makdormands nepārprotami ir filmas zvaigzne un nozog izrādi, attēlojot grūtnieces priekšnieku, kas nokļuvis ļaunuma un nežēlības pasaulē, taču izdodas atrast gaismu un cerību. ‘Fargo’ ir emocionāli neapstrādāts, nežēlīgi intensīvs, patīkami smieklīgs un sāpīgi reālistisks tīra kniedēta kino gabals.

89. Dzēšgumija (1977)

‘Eraserhead’ ir mācību grāmata par atmosfēras šausmām. Stāstot par cilvēku ar dīvainiem matiem, kurš pats mēģina uzaudzināt sava veida ģimeni, šī filma ar katru minūti vairāk pārvēršas par sirreālu murgu. Izmantojot skaņu un tuvplānus, lai piedāvātu klaustrofobisku baiļu sajūtu, un saskaņojot to ar sižetu, kam pēc pirmā skatīšanās nav lielas jēgas, Deivida Linča debija izrādās viena no labākajām maģistra režisorēm, kas pati par sevi ir ļoti atzinīga. Tas, ko dara ‘Eraserhead’, ir izveidot distopisku pasauli - izšļakstītu ar neglītām ēkām un mehāniskām konstrukcijām, kas iemērktas aplamā melnbaltā krāsā - un iemest tajā varoņus, kurus vairāk vai mazāk sajauc apkārtne. Lai gan noskaidrot šī attēla nozīmi ir gandrīz neiespējami, jāapzinās, ka tas nekad nav nolūks. ‘Eraserhead’ auditorijas prātos rada pilnīgu diskomfortu, izmantojot gan vizuālo, gan sirreālo stilu, un atrod veidu, kā manipulēt ar viņu domām. Tikai dažas bildes ir tikpat skaisti strukturētas, bet nenoliedzami draudīgas kā šī, un to varēja izvilkt tikai tāds kā Linčs.

88. Zēnu vecums (2014)

‘Boyhood’ ir patīkams atgādinājums par aizrautiem priekiem, nelokāmu optimismu un kūsājošu nevainību. Tas balstās uz skaistuma, prieka un emociju atrašanu no parastās cilvēku dzīves, nevis no jebkura pastiprināta drāmas akta (maize un sviests lielākajai daļai filmu). Ir aizraujoši redzēt, kā no ainas uz ainu mainās ne tikai varoņu fiziskums, bet arī pamanīsit izmaiņas viņu modē, frizūrā, mūzikas gaumē un kopumā dzīves perspektīvās. ‘Boyhood’ tādā veidā, kā to dara ļoti maz filmu, pārkāpj kino robežas un kļūst par niecīgu mūsu pašu eksistences un pieredzes daļu. Linklater atkal mums atgādina, kāpēc viņš ir labākais biznesā, kad jāstāsta vienkārši stāsti par parastiem cilvēkiem.

87. Debesu dienas (1978)

Terensa Malika evolūcija par pilnībā kontrolētu, autoritatīvu kinematogrāfistu ir viena no lielākajām lietām, kāda jebkad notikusi ar amerikāņu kino. No viņa agrīnajiem darbiem ir skaidrs, ka viņš izmisīgi gribēja izkāpt no ierastajām kino robežām. Tādām filmām kā “Badlands” un “Debesu dienas” bija šķietami vienkārši stāstījumi, taču tās bija filmas, kas mēģināja būt kaut kas vairāk. Kaut kas vairāk nekā tikai stāsts. Pieredze. ‘Debesu dienas’ to panāk izcilāk nekā ‘Badlands’. Daudzi cilvēki bieži kritizēja filmu par tās vājo sižetu. Es nevarētu teikt, ka tie ir pilnīgi nepareizi, bet stāsts tomēr nav filmas vissvarīgākais aspekts. Tas, ko Malics šeit dara, izmanto kino vizualitāti, kurā uzsvars tiek likts uz stāsta noskaņu, nevis pašu stāstu. Viņa nolūks nav padarīt jūs emocionālu, izmantojot varoņu likteni, bet gan ļaut jums tos novērot, sajust ainavu skaistumu un tās vietas smaržu. Izstrādāt tik viscerāli aizkustinošu pieredzi nav nekas cits kā brīnums.

86. Ugunsgrēku kaps (1988)

Saistīts attēls

Spēcīga, aizkustinoša filma, kas ir līdzvērtīga visos iespējamos aspektos, ar citām tiešraides filmām izceļ kara laupījumu. Šī japāņu animācijas filma, kuras centrā bija Otrā pasaules kara šausmas, koncentrējoties uz brāļu un māsu pāru dzīvi, salauza manu sirdi tādā veidā, kā nevienai citai filmai nav izdevies, un joprojām turpināju mīdīt gabalus līdz pašām beigām. Tā kā tā ir kara filma, tā arī rada brīnumus cilvēku frontē, skaisti realizējot un attīstot maigas attiecības starp Seitu un Setsuko, ņemot vērā grūtības, kas bija Otrais pasaules karš. Ziņojums ir skaļš un skaidrs. Neviens karš nav patiesi uzvarēts, un visu godību, kas saistīta ar uzvarām, pavada arī karā iznīcinātu nevainīgu dzīvju vaimanāšana. Es apsveiktu filmu par to, ka tā nav atklāti emocionāli manipulējama, liekot mums iesakņoties tās varoņos; taču nekļūdieties, jo tā spēcīgais un bezkompromisu viedoklis par karu un brāļu un pāra notikušajām nedienām jūs pārvērtīs par šņukstošu jucekli. Tas ir TIK skumji. Tas nozīmē, ka man citādi nav. Tā ir pilnība tās sirdi plosošākajā formā.

85. Manhetena (1979)

Romantika Vudija Alena filmās vienmēr ir jutusies sāpīgi patiesa un nomācoši reālistiska, neskatoties uz to, ka viņš viņus apvij ar garšīgi skaudro humora izjūtu. Kamēr ‘Annija Hola’ joprojām ir viņa visdrosmīgākā filma, ‘Manhetena’ mākslinieciski iznāk kā nobriedušāks darbs. Filma ir tāda, ka Alens spēlē garlaicīgu, apmulsušu ņujorkieti, nesen šķīries, satiekoties ar vidusskolas meiteni, bet galu galā iemīļojoties sava labākā drauga saimniecē. Alens nedaudz pieklusināja šīs filmas humoru, lai ļautu mums patiesi izjust skumjas, kas pārņem viņa varoņus, kas padara to par tik emocionāli aizraujošu pieredzi. Tas ir tikai dziļi skaudrs portrets ar nepastāvīgām attiecībām un kļūdainiem cilvēkiem, kas cīnās ar sevi un savu eksistenci, izmisīgi meklē laimi, kuru viņi nekad neatzītu un nesasniegtu. Un tieši šī mīļi smalkā, skaudrā cilvēka stāvokļa apzināšanās padara ‘Manhetenu’ par tik spēcīgu filmu.

84. Marketa Lazarova (1967)

Čehu ikonas Franti & scaron; ek Vláčil bezķermeniskā sapņu ainava Marketa Lazarova ir gluži vienkārši viens no neticamākajiem mākslas darbiem, kas nāk no 20thGadsimts. Tā avangardiskā pieeja kinematogrāfiskajai valodai tik tikko atbilst šī bieži vien nosodošā frāžu pagrieziena robežām - jo tas ir kaut kas vairāk. Pārsteidzošs redzes un skaņas saplūšana, kas nav atbrīvota no vienošanās, uzbūves vai jebkādu rakstisku noteikumu starpniecību, dumjš kino zinātnieki gadu gaitā ir iepļaukājis filmas formu. Salīdzinājumam - viss pārējais izskatās tik stingri kontrolēts - tik nedabisks un samākslots izpildījumā. Marketa Lazarova ir neapstrādāta, viscerāla un pārsteidzoši dinamiska. Īsāk sakot: tā irbez maksas- patiesa iespēju virsotne, lai izpētītu katru collu kinofilmu. Tāpēc tas ir starp lielākajām jebkad uzņemtajām filmām.

83. Singins lietū (1952)

Singin ’In The Rain ir visnozīmīgākais Holivudas zelta laikmeta mūzikls. Nav iespējams aizmirst tēlu, kā Džins Kellijs dejo pie ielas lampas, kad mēs runājam par kino mirdzošajiem mirkļiem. Filma ne tikai priecē savu prasmi, bet arī kino pāreju no vizuālā vidēja uz rezonējošu un stimulējošu. Pieminekļa sasniegums kinoteātrī Technicolor sākotnēji kritiķi un auditorija uzjautrinoši atmeta Kellija režisora ​​darbu. Es uzskatu, ka šīs klasikas nozīme katru dienu kļūst arvien spēcīgāka, jo atšķirība starp filmas aptvertajiem laika periodiem (reālā un spoles dzīve) un tagadni arvien pieaug. Mēs zaudējam saikni ar svarīgu laikmetu, un šī filma jūs aizrauj ar savu nostalģiju.

82. Neskaties tagad (1973)

Ir ļoti grūti atrast vizuālās mākslas darbu, kas būtu tik hipnotisks kā Nicolas Roeg ‘Dont Look Now’. Daudzos aspektos šis šedevrs ir kā briesmīgais punduris beigās. Tas ir skaisti pārklāts ar ekstātiskām krāsām, bet tajā ir vissliktākā dzīves daļa: nāve. Neatkarīgi no tā, cik efektīgs ir Saterlendas varonis, es uzskatu, ka šī ir emociju virzīta filma, jo Rogs zaudēto mīlestību meklē kā galīgu stāstu. Gotiskais pamats ir ļoti spēcīga ierīce, lai izsauktu to saikņu nozīmi, uz kurām tā balstās, tēva un ģimenes mīlestību, kā arī piešķirtu neskaidru formu spokiem, kas vajā galveno varoni. 'Dažas vietas ir līdzīgas cilvēkiem, citas spīd un citas ne'.

81. Cīņas klubs (1999)

Ik pa brīdim pienāk kāds mākslas darbs, kas nosaka paaudzes psihi. Ciktāl tas attiecas uz kino, 50. gados bija ‘Rebel Without A Cause’, 60. gados ‘The Graduate’ un 70. gados ‘American Graffiti’. Pat pēc diviem gadu desmitiem ‘Cīņas klubs’ kā cimds ir piemērots mūsu paaudzes pārņemtajam, neapmierinātajam un pretnodibināšanās noskaņojumam. Tāpat kā tik daudz lielisku filmu, arī ‘Cīņas klubs’ ir ļoti nesaskaņots un to var filozofiski interpretēt dažādos veidos - daži uzskata, ka tas nosaka mūsdienu vīrišķību, bet citi domā, ka tas slavē vardarbību un nihilismu.

Būtībā trilleris, filma tiek stāstīta no nenosaukta galvenā varoņa POV, kurš cieš no bezmiega un ir neapmierināts ar savu monotonu darbu, kurš šķērso ceļus ar spraigu ziepju veidotāju Taileru Durdenu. Durdens un galvenais varonis drīz izveido pagrīdes ‘Cīņas klubu’, kas ir veids, kā neapmierināti sabiedrības locekļi izliet savas dusmas. Bet drīz Tailera plāni un stāstītāja attiecības iziet ārpus viņa kontroles, izraisot eksplozīvu kulmināciju (burtiski!)

Līdztekus tā izplatītajai velna rūpes attieksmei ‘Fight Club’ ir arī mūsdienu leģendas Deivida Finčera zināmā ace virziena pazīme. Pārsteidzoša krāsu palete, asa montāža un plāns fotoaparāts ir iedvesmojis tumšo trilleru ordu, kas seko filmai. Deviņdesmito gadu ūdensšķirtnes filma.

80. Pirms saulrieta (2004)

Lūk, patiesība par cilvēka evolūciju, ko jums neviens neteiks: cilvēce drīz zaudēs sarunu mākslu. Tehnoloģiskajiem sasniegumiem ir liela blakusefekts: cilvēki arvien mazāk interesējas par reālu sarunu uzsākšanu, jo viņiem ir tehnoloģija, pēc kuras slēpties. Un tieši tāpēc Pirms sērijas turēsies nākamajās desmitgadēs. Filmu sērija, kas stāsta par diviem cilvēkiem, kas iesaistījušies īstā sarunā, ir retums pat šai paaudzei. Nākotnē šādas filmas vispār netiks uzņemtas. Tāpēc nākamās paaudzes ar izbrīnu un izbrīnu atskatīsies uz triloģiju Pirms. Un es nebrīnīšos, ja triloģija atradīs pelnīto vietu ne tikai filmu vēsturē, bet arī katras filmu skolas bibliotēkā.

Starp trim pirms filmām ‘Pirms saulrieta’ izceļas ar to, ka tā ir vissirdīgāk skaisto. Filma, kas pēc savas būtības ir par cilvēka spēcīgāko vēlmi: vēlmi būt kopā ar kādu, ar kuru varētu pavadīt visu savu dzīvi. Ja paskatās cieši, ‘Pirms saulrieta’ galu galā kļūst par spoguli, kurā ieskatoties, var spriest par savām attiecībām: Kur tu esi kļūdījies? Kurš jums patiesībā bija “viens”? Kādas iespējas jūs palaidāt garām? Kas varēja būt? Tā ir viena no retākajām retajām filmām, kurā jūsu pašu dzīves pieredze bagātinās un baros jūsu pieredzi ar filmu.

79. Matrica (1999)

Ģeniāla, gudra ideja, ko uz ekrāna atveidoja Wachowskis, rezultātā radīja filmu, kas daudziem skatītājiem lika piesardzīgi izturēties pret realitāti, kurā viņi atradās. Tiesa, pēc filmas “Matrica” tapšanas vairs nebija iespējams atgriezties, tā mainījās lietas. Filma ne tikai nedaudz pārkāpa savu stāstu, bet arī pārveidoja zinātniskās fantastikas un darbības filmu iecerēšanu pēc tam. Filmas “Matrica” panākumi slēpjas arī tajā, kā tā meistarīgi klibo starp tēmām, tostarp filozofiju, eksistenciālismu un pat reliģiju, vienlaikus valkājot darbības un zinātniskās fantastikas kino aizsegus. Neo spēja manipulēt ar simulēto realitāti, lai veiktu šķietami neiespējamus varoņdarbus, un “ložu laika” izmantošana, darbības paņēmiens, kas tagad nav nekas ikonisks, papildina filmas atjautību. Iespējams, ka žanrs tagad ir pārpildīts, taču, kad tas iznāca pirmais, var droši teikt, ka publika neko tādu nebija redzējusi.

78. Septītais kontinents (1989)

Nosaukt Maikla Hanekes ‘Septīto kontinentu’ par šausmu filmu man tas izklausās ļoti nepareizi, taču tieši tā to atsaucas lielākā daļa cilvēku, kuri to ir redzējuši. Ar viņiem ir grūti strīdēties, jo šīs filmas skatīšanās liek justies bezcerīgai, nomāktai un nobijies. Šis 1989. gada klasiķis, kas ir saistīts ar ģimeni, kas ienīst pasauli un dzīvi kopumā, ieņem aukstu un tālu nostāju, lai vēl vairāk izolētu trīs spēlētājus no pārējās sabiedrības, kas lēnām, bet noteikti liek auditorijai dziļi justies par viņiem kā par savu eksistence notiek tumšā pagriezienā. Būdama viena no satraucošākajām filmām, kas jebkad ir apveltīta ar sudraba ekrānu, Hanekes debijas skaņdarbs ņirgājas par skatītāju un nekad neatlaiž. Ja auditorija to sauc par šausmu filmu, tad viņi to dara, atsaucoties uz biedējošu filmu, kas nav līdzīga nevienai citai. Pārklāts neskaidrībā un reālismā,Septītais kontinentsir personiska, intīma un šausminoša patiesa stāsta atstāstīšana, kas tevi atstāj klusumā, jo vismaz pāris minūtes pēc tā beigām tu vairs nespēj izrunāt nevienu vārdu.

77. Zodiaks (2007)

‘Zodiaks’ nav tavs tradicionālais trilleris; tas ir lēnā tempā un vairāk koncentrējas uz noskaņu un varoņiem, nevis uz sižetu. Ir tāda aura, ko Deivids Finčers izveido tik daudz, lai jūs varētu sajust filmas noskaņu kaulos. Tā nav filma, kas jūs priecēs, kad tā beigsies. Tā ir arī filma, kurā sliktais puisis uzvar, labie zaudē. Un tāpēc tas ir tik labi. Ne tikai labs, bet arī moderns šedevrs. Kad filmai izdodas tevi raustīt veselas divarpus stundas un atstāt tevi domu dienām, noteikti ir bijis daudz kas pareizi, kā parasti neredzamie trilleri. Manuprāt, ‘Zodiac’ ir Finčera labākā filma, kur viņš ar savu disciplīnu un prasmju diapazonu parāda, kāpēc dažkārt “mazāk ir vairāk”.

76. Magnolija (1999)

‘Magnolia’ neapšaubāmi ir Pola Tomasa Andersona personiskākais darbs. Ar histērisko noskaņu, kuru Andersons iepludina filmā, melodrāma ienes zināmu emocionālu plūdumu, kas enerģijā ir tik neticami atkarīgs un katartisks. Filma pilnībā norisinās San Fernando ielejā, un dažādi savstarpēji saistīti varoņi piedzīvo dažādus dzīves posmus, cenšoties tikt galā ar saviem iekšējiem dēmoniem un emocionāliem konfliktiem. Andersons mīl šos cilvēkus, viņš viņus pazīst un saprot, bet neuzticīgi pasniedz tos, kas viņi ir; izteikti kaili cilvēki, neapstrādāti un tīri, sastopoties un pārvarot savas visdziļākās bailes un vājumu. ‘Magnolia’ ir tik īpašs, ka tā ir filma, kas tik daudz stāsta par tās veidotāju. Mums tiek ļauts ielūkoties Andersona dzīvē, vietā, kur viņš pieder, un cilvēkiem viņa dzīvē. Visā filmā ir tikai tik daudz Andersona. Tāda filma kā “Magnolija”, ja to būtu režisējis kāds cits filmas veidotājs, būtu jutusies novecojusi un šķita diezgan līdzīga sava laika izstrādājumam, taču kopā ar Andersonu tā tikai papildina filmas pievilcību.

75. Rozmarijas mazulis (1968)

‘Rozmarijas mazulis’ ir tumšs, savīts mākslas darbs, kas spēlē nevainību, lai radītu šausmu izjūtu. Filma ir saistīta ar sievieti, kurai grūtniecības laikā rodas komplikācijas, un filma ar savu sižetu iziet pavisam svaigā ceļā, ļaujot rituālistiskiem elementiem spēlēt galveno lomu. Šajā filmā ir tik daudz, kas jāmīl, sākot no labi rakstītiem varoņiem līdz pat tālajai videi, kas ieskauj katru notiekošo gadījumu. Visā attēlā vienmēr ir jūtama spriedze, un tas daļēji ir saistīts ar kluso, ieilgušo kinematogrāfiju, kas izpildīta ar Polanski stingro režijas stilu. Mia Farrova šeit sniedz karjeras labāko sniegumu kā Rosemary Woodhouse, sieviete, kura kļūst vājāka, cīnoties ar sāpēm, kas rodas līdz ar bērna nēsāšanu. Kopumā šīs filmas uzņemtajai atmosfērai ir maz citu cilvēku, un tas, kā tā iesūcas jūsu ādā, patiešām ir kaut kas cits.

74. Labais, sliktais un neglītais (1966)

Uzņemošie varoņi, kurus spēlē leģendāri aktieri, nevaldāma, nežēlīga ieroču darbība, āķīga mūzika un intensīva kinematogrāfija - triloģijas ‘Dollars’ trešā daļa, kas, domājams, ir spageti vesternu dzimšana, ir labvēlīga, valdzinoša, izklaidējoša kinoteātrī. Blondija vai Neviens vārds (Labais), profesionāls šautenes šāvējs un Tuco (Neglītais), meklētais aizliegtais, veido nevēlamu uzticību, kad katrs uzzina svarīgu detaļu par zelta atlicinājumu, ko paslēpis bēguļojošais konfederāts. kuru slepkava Eņģelis Eyes (The Bad) ir nolīgts nogalināt. Trio ceļojums veido kniedēšanas sižeta būtību, kas beidzas ar klasisku rietumu stila skatienu uz leju. Klints Īstvuds Blondijas lomā ir mačisma tēls, Lī Van Kleefs kā Eņģeļu acis ir ļauns personificēts, bet Eli Valahs kā Tuko pievieno divu lielāku zvaigžņu vienkāršākām, tomēr izteiksmīgākām impulsu un dusmu sarežģītību. Bet vadības groži mūžīgi ir režisors Serhio Leones rokās - viņš izmanto plašu tālmetienu un intensīvu tuvplāna kinematogrāfiju, kas nepieciešama, lai radītu spriedzi procesā. Žanru noteicošā filma Kventins Tarantīno, viens no mūsdienu rietumu izcilākajiem pārstāvjiem, savulaik saukts par “Vislabāk režisēto filmu pasaulē”.

73. Ceļojošie spēlētāji (1975)

Pārāk ilgi Theo Angelopoulos intīmo, smalki samontēto eposu zināja maz filmu entuziastu, un, iespējams, to novērtēja vēl mazāk. Tā lieliskā, pakāpeniskā kinematogrāfiskā pieminekļa uzstādīšana mūsu ezotēriskajām, noslēpumainajām attiecībām ar laiku ir saprotama ne visiem. Bet ziņkārīgajiem mūsu vidū ir zināms, ka tas sniedz mierinājumu, dod gudrību un dāvina uztveri, kas palīdz atrast konstantes, uz kurām pieķerties šajā universāli un nežēlīgi dinamiskajā pasaulē. Starp daudzajām lietām, kas šai filmai ir taisnība, ir tās senatnīgais izpratne par atklājumiem pasakā “Orestes”. Mitoloģija, kas saistīta ar traģisko figūru, tiek uztverta ar prātu nejūtīgu pazemību, un tomēr filma spēj mūs caur savu elastīgo redzējumu nogādāt melanholiskā, ieilgušajā skats uz 20. gadsimta vidus Grieķiju. Tās laika elegance attaisno vēstures skatīšanos, stāvot blakus trupai: no ārpuses iekšā. Jums ir tendence gan nojaust tā skarbumu, gan pārdomāt tās radīšanu. Tā ir reta antifašistiska vēstures stunda, jo tā nekad nepasaka, ko domāt. Tas mums tikai parāda, ko just. Angelopuloss un operators Giorgos Arvanītis mūs izvieto sirdi apstādinošās vietās un izskalo tos ar perioda postošo ļaunumu. ‘Ceļojošie spēlētāji’ ir pazemīgs, rets dārgakmens, kas jūtas tā, it kā būtu izglābts no nemieru pārņemtajām ielām un izdzīvotu badā. Vienkāršāk sakot, mēs to neesam pelnījuši.

72. Kešatmiņa (2005)

Maikls Haneke bieži tiek apsūdzēts par to, ka viņš vienmēr nodarbojas ar drūmiem stāstījumiem. Šis raksturojums ir pilnīgi negodīgs, jo tas, ko viņš būtībā dara, ir humāns ieskats tumsā, kas mūs visus apņem, kā mūsu kļūdainā uztvere noved pie mokošas izolācijas un kā mūsu maldi samazina mūsu iespējas pārvarēt minēto izolāciju. ‘Caché’ ir ne tikai masīvs, smeldzīgs dokuments, kas norāda uz 1961. gada Sēnas upes slaktiņa ļaunumu un mūsu kā sabiedrības necilvēcību, bet arī poētiski universāls raksturu pētījums. Mūsu varonis Žoržs dzīvi un savu klātbūtni uztver kā sociālu būtni sagrozītā prieka nozīmē. Viņš bēg no uzticēšanās un komunikācijas ar citiem komforta. Viņš priecājas par savu atsvešinātību, tāpat kā atsvešina tik daudzus, kuri viņu tik ļoti mīl. Ar to Haneke ņirgājas par paaudzi, kas vēlas palikt viena. Viņa kamera dažkārt ir neparasti tālu, tāpat kā tik daudzi no mums ir saistīti ar apkārtni. Bet viņa kontrolē mums ir jāsaskaras ar mūsu nepieklājību, savu neuzmanību, realitāti. Viens no izaicinošākajiem kino gabaliem, ko jūs jebkad redzēsiet.

71. Bišu stropa gars (1973)

Spāņu meistars Viktors Ēriss pirms aiziešanas uzņēma tikai trīs mākslas filmas. Vēl šodien dzīvās tās filmas, piemēram, El Sur, cidonija ‘Saules koks’ un it īpaši bišu stropa gara, viņa nenosakāmā debija, liek mums visiem vēlēties, lai viņš joprojām filmētu. Parabiliska pasaka par diviem bērniem, no kuriem viens ar nevainīgu, bieži vien mulsinošu valdzinājumu pēta viņa eksistenci, bet otrs ir apsēsts ar filmu “Frankenšteins”, kas spēlēta viņu vietējā teātrī. Tās mistificējošais Spānijas centrālās daļas portrets tiek atstāts pievilcīgā neskaidrībā ar Erices raksturīgi neitrālo virzienu - reti tiekoties pēc kinematogrāfiskas metodes, atbalstot kluso novērošanu. Rezultātā radītais darbs ir mulsinošs, aizraujošs un atstās jūs domāt par pašas dzīves patieso mīkla: tās neatbildamajiem jautājumiem, tās lielajiem noslēpumiem un to mulsinošo neuzmanību. Lai atstātu jūs pilnīgi sagrautu vai nesalīdzināmi aizkustinātu, nav šaubu, ka abiem galējiem ‘Stropa garam’ būs svarīga pieredze.

70. Visi prezidenta vīri (1976)

Ūdens vārti. Viens vārds, kas norāva aizkarus Ričarda Niksona prezidentūras laikā un lika cilvēkiem saprast, ka pat prezidenta auguma cilvēks var pieliekties pēc iespējas zemāk, lai paveiktu savas lietas. Kamēr prezidenta kronīši bija aizņemti, sakopdami viņa radīto jucekli, bija divi reportieri, kuri to ieguva. Neskatoties uz draudošajiem draudiem, viņi nenogurstoši strādāja, vajāja pat vismazākos vadus un dažkārt radīja sev briesmas, lai nodotu faktus cilvēkiem. Balstoties uz žurnālistu Boba Vudvarda un Karla Bernšteina sarakstīto tāda paša nosaukuma grāmatu, ‘All the President’s Men’ ir asprātīgs novērojums, kādai jābūt patiesai žurnālistikai. Režisors Alans Dž Pakula, tas tika izvirzīts astoņām akadēmijas balvām, galu galā iegūstot trīs un, starp citu, labāko ainu zaudējot ‘Rocky’.

69. Ēnu armija (1969)

Es domāju, ka lielisks salīdzinājuma punkts, kas jāsniedz jaunpienācējiem Žana Pjēra Melvila darbā, ir Stenlijs Kubriks. Abi praktizē ārkārtīgi lielu tehnisko precizitāti un rada absolūtu pārliecību par katru darba ruļļu, ko viņi veikuši garās un radoši ienesīgajās karjerās. Tas nozīmē, ka lēta, bet izaicinoša sūdzība, ko ikviens var iesniegt amerikāņu režisoram, ir viņa „dvēselība”. Cilvēka izpausmes vakance. Tā tas nav Melvila gadījumā. Filmā “Ēnu armija” Melvila varoņi dedzina ar rūgtu izmisuma dzirksteli, kas viņu katru darbību liek pārņemt cilvēci. Kara laika pretošanās kustības nāvējošajā pasaulē viena nepatiesa kustība var izraisīt pilnīgu iznīcināšanu, un ar iepriekšminēto žēlastību un virtuozo kontroli pār savu kino Melvils šuj pilnīgi ticamas, pārliecinoši mirušas pasaules sēklas. ‘Ēnu armija’ ir viens no klusākajiem, intriģējošākajiem un monumentālāk ietekmējošajiem darbiem, kas nāk no franču kino, un laižot garām tik noziedzīgi neievērotu klasiku, būtu jāpadara sev smags ļaunums.

68. Spīdošs (1980)

Pielāgojot Stīvena Kinga klasiku, Stenlijs Kubriks 1980. gadā izveidoja filmu, kurā tika atkārtoti definēts šausmu žanrs. Lūk, no dzimšanas baidās ne tikai stāsts vai varoņi. Vide un tā filmēšanas veids palīdz apbrīnojami ļaut prātu nomierinošai spriedzei iekļūt auditorijas prātos. Filma seko Džeka Torensam, nesen ieceltam viesnīcas The Overlook apsaimniekotājam, un viņa ģimenei, kad viņi noslēpumainajā ēkā pavada pilnīgu izolāciju. Pateicoties satriecošām izrādēm un izcilu darbu kamerā, Kubriks pārliecinās, ka filmas saturs iegrimst dziļi mūsu zemapziņā. Tas, kā viņš manipulē ar skaņu un atmosfēru, ir pilnīgi neticami, un tas rada neaizmirstamas, kā arī mugurkaulu atdzesējošas divas ar pusi stundas. ‘Spīdošā’ pasaule ir skaisti tumšs, un tā elpu aizraujošā trešā cēliena laikā jūs cieši satverat aiz apkakles.

67. Ķīniešu kvartāls (1974)

Starp šiem diviem ir film noir un neo-noir, un sēž Džeiks Gitss, glīti ģērbies ar kraukšķīgu fedoru, lai izteiktu komplimentu šai sejas ņirgāšanai. Lai gan viņš ir liels Polanki cienītājs, vienmēr ir kas tāds, kas neatbilst viņa filmu gala produktam. Izņemot ķīniešu kvartālu. Šis nozīmīgais šedevrs ne tikai radīja sev identitāti, bet to vienmēr skatās filmas veidotāji, kuri aizņemas tā stilu, lai radītu identitāti savai filmai. Polaņskis ir burvis darbā, mānīdams mūs ar atšķiramiem vadiem, kā arī klasisku noir kustību un iestatīšanu. Bet tad nāk pēdējais Ķīniešu kvartāla cēliens, kas tik ātri izjauc katru konvenciju, kas sākotnēji tika pievienota līdzīgām noslēpumainām filmām, un jūs pārņēma milzīga šoka un izmisuma sajūta. Tā nespēja pārspēt krusttēvu II mani joprojām mulsina, taču pēc pusgadsimta cilvēki ir aizmirsuši Sicīliju, bet nekad nav ķīniešu kvartālu.

66. Sātana tango (1994)

Atzīšanās pirmais: Es gandrīz nekad neredzēju Bēlas Tarras plašo, izcilo šedevru. Varētu pieņemt, ka tas ir visu laiku iecienītākais cinephile statuss un izcilā reputācija, ko tas ir ieguvis Amerikas mākslas namu aprindās, kā arī daži no visvairāk informētajiem filmu kritiķiem visā pasaulē mani ieinteresētu. Bet milzīgais tā ilgums (apmēram 432 minūtes) un loriem līdzīgais temps, kas man tik ļoti patika Tarra ‘Werckmeister Harmonies’, šķita biedējošs. Atzīšanās numurs otrais: Es pirmo reizi redzēju ‘Sátántangó’ vienā piegājienā. Mani hipnotizēja tā pragmatiskā reālās pasaules izjūta un pacietīgā, apdomīgā kino izjūta. Tas novēroja vairāk, nekā atspoguļoja un domāja vairāk, nekā sniedza glīti veidotus paziņojumus. Tās mītiskais, drūmais reālisms bija pārāk labs, lai būtu patiess, un pārāk brutāls, lai to realizētu ar tādu acu skatienu uz skaistumu.

Viss, ko es vēlējos darīt līdz beigām, bija aizvērt visus logus un ietīties tumsā, jo filma man bija bijusi kā tas trakais baznīcā, un tās vaimanāšanai bija pārāk liela jēga. Atzīšanās trešais: es ar prieku ziņoju, ka ‘Sátántangó’ sātīgās sociālās un politiskās pārdomas man ir sākušas likt man saprast, jo es pie tās esmu atgriezies atkārtoti. Īpaši neaizmirstama bija vasara, kas pavadīta, aprijot László Krasnahorkai romānu, kas darbojas kā filmas avots. Viss, ko es tagad varu darīt, ir cerība turpināt gūt peļņu no šī laimīgā negadījuma.

65. Eksorcists (1973)

Viljama Frīdkina ‘Eksorcists’ ir perfekti režisēts. Vīrietis ir bēdīgi slavens ar nepastāvīgu karjeras ceļu, kurā klasiķi saskaras ar atslābumu (un abas grupas bieži šķērso dažus aizraujošus kinematogrāfiskās bezkaunības pētījumus). Ar savu labāko filmu Frīdkins nolēma uzņemt drāmu, kas tieši tā notika par dēmonisko apsēstību: šujot patosu saviem sarežģītajiem varoņiem un viscerāli tulkojot oriģinālā autora Viljama Pītera Blatija tekstu, kas ieslodzīts starp ticību un kropļojošām šaubām. Divu brīnišķīgu mākslinieku gala rezultāts, kas strādā savas spēles augšgalā, lai sniegtu mirdzošu amerikāņu kino klasiku: tādu, kas aptumšo gandrīz katru savu žanra filmu (iespējams, tas ir nesaprātīgi šausminošais “Wake in Fright” vai Tobe Hooper serendipitous tour-de -spēksTeksasas motorzāģu slaktiņš). Vienkārši satriecoši.

64. Suspiria (1977)

'Jo mūsu sapņos mēs ieejam pasaulē, kas ir pilnīgi mūsu pašu' - Dž. K. Roulings. Un kā būtu, ja viens no kino visgrūtākajiem prātiem izlemtu savu zemapziņu izsmidzināt uz filmas gabala. Tiek uzskatīts, ka Dario Argento Suspiria ar savu dīvaini strukturēto stāstu izaicina kino loģiku. Bet es uzskatu, ka tas ir neoekspresionistu šedevrs, kas atspoguļo kino patieso būtību, proti, liek mums justies patiesi, patiesi dzīviem. Argento saprot telpas vērtību un līdz ar to parāda lielāku uzmanību kinematogrāfijai un scenogrāfijai, kas ir viņa filmas galvenie iemītnieki. ‘Suspiria’ pārstāv ne tikai Argento stilu, bet arī visu itāļu šausmu, žanru, kuru uzmundrina mākslas estētika.

63. Vīrietis aizbēdzis (1956)

Nevainojami precīzs un iedvesmojoši ekonomisks Roberta Bresona ak tik retais vērsis tika iesists ar 1956. gada ‘A Man Escaped’. Vīrieša, kā filmas veidotāja, dzīvsudraba spēka maksimums ir sekojošs franču pretošanās aģenta Fontēna mēģinājumiem izvairīties no arvien bīstamāka nacistu cietuma un atrod jēgu visos atsevišķos kadros. Sākot ar satriecoši cilvēcisko galvenā aktiera tēlojumu, ko atveido aktieris, kas nav aktieris Fransuā Letterjers, kura nogrimušie vaigi un uzsprāgušās acis tik pārliecinoši pauda kara dzīves smagnējo svaru, līdz Bresona minimālismam, kas spēj izkopt skaudru tuvību starp skatītājiem un sacīto izmisušo cilvēku. : No biežajiem POV un elegantajām kompozīcijām, kas nepārspēja tehniku, Bresona apkārtējie darbi dažreiz ir noslīkuši. Es nepazaudētu nevienu kadru - un tādējādi kinoizrāde topošajiem filmu veidotājiem ir absolūti vitāls izglītības veids: uzkrāso kaut ko tik spilgtu un blīvu, lai tas nekad nejustos pārgalvīgs.

62. nogalināt makšķernieku (1962)

Šādos laikos nav labākas filmas kā ‘Nogalināt ņirdzputnu’, lai neonacistiem izskaidrotu kastas, ticības apliecības un rases patieso nozīmi. Atrodoties rasu šķelšanās Amerikas laika grafikos, afroamerikāņu vīrietis tiek apsūdzēts par baltās sievietes pieticības pārkāpšanu. Rasu netaisnības pīķa laikā, kad baltu cilvēku pilna tiesa griežas pēc viņa asinīm, vienam cilvēkam nākas cīnīties ar savu lietu. Viens baltais cilvēks, vārdā Atticus Finch. Viņš drosmīgi cīnījās, lai izvirzītu faktu, ka tiesā visi cilvēki tiek radīti vienādi, neatkarīgi no tā, vai tie ir krāsaini, vai ne. Viņa centieni ir veltīgi, jo tiesa vīrieti atzīst par vainīgu. Bet tas, kas paliek pie skatītāja, ir mācība, kuru Atticus Finch ieaudzina savos bērnos. Tas ir, 'jūs nekad īsti nesaprotat cilvēku, kamēr neapsverat lietas no viņa viedokļa'. Balstoties uz Hārpera Lī tāda paša nosaukuma bestselleru, ‘To Kill A Mockingbird’ ir viena no visu laiku izcilākajām filmām.

61. Aizmugurējais logs (1957)

Trillera filmas meistardarbs atšķir no regulāri uz mums uzkrātajiem notekūdeņiem, jo ​​pēdējie līkloči ierodas zibenīgi, vairāk balstoties uz mūsu šoku, nevis uz grieziena patiesumu. Bet tādās filmās kā ‘Aizmugurējais logs’ sīkumi, kas redzami no profesionāla fotogrāfa L.B. “Džefs” Džefrijs izskatās, ka pa aizmugurējo logu piliens pa pilienam uzkrājas līdz brīdim, kad tie plūst, liekot nekaitīgajam Džefam aizdomas, ka vīrietis, kurš dzīvo pāri pagalmam, ir izdarījis slepkavību. Hičkoks savu fotokameru izmanto meistarīgi kā iluzionista rīkus, lai uzturētu viņa skatītājus saspringtus, apmānītus un minētus, līdz atklājas žokļa krišana. Pateicoties Džefa obsesīvi vajātajam viņa interesējošajam objektam, Hičkoks komentē voyeurism kļūdas, to, cik tas var vilināt, un vientuļa pilsētas dzīvesveida drūmumu, kas pie tā noved. Vēl neticamāk, ka tas ir tikpat komentārs par skatītāja vojerismu kā Džefs; jo mūs aizrauj Džefa valdzinājums. Skatīties, kad netiek skatīts, ir ļauns prieks; Hičkoks to zina, apbrīno un piesaista mūs tajā.

60. 4 mēneši 3 nedēļas un 2 dienas (2007)

Dažas filmas jūs aizkustina; daži liek tev smieties; daži salauž tavu sirdi. ‘4 mēneši, 3 nedēļas un 2 dienas’ pieder pie īpašas filmu kategorijas: tās, kas jūs satrauc un nervozē. Kā jūs jau nojautāt, šādas filmas, iespējams, ir retākās no retajām šķirnēm. Filma seko diviem draugiem, kuri mēģina sarīkot abortu nežēlīgajā Rumānijas Čaušesku komunistiskajā režīmā. Viscerāla un bezkompromisu filma satver tevi aiz kakla un nekad nelaiž vaļā. Šīs filmas skatīšanās ir tāda pati kā zarnu izjūtas sajūta, kas rodas, kad jūs nervozi gaida, kad kāds no tuviniekiem pēc operācijas iznāks no operāciju teātra. Tas nav tikai reālistisks kino labākajā gadījumā; tā ir arī viena no dzīvi mainošajām filmām, kuru jūs kādreiz redzēsiet.

59. Pagājušais gads Marienbadā (1961)

Alana Resnaisa 1961. gada filma “Pagājušais gads Marienbadā” ir vistuvāk sapņa vizualizēšanai, un tas tiek darīts pēc iespējas dīvaināk. Mūzika, kas aizņem fona lielāko daļu izpildes laika, darbojas kā nomierinošs līdzeklis, kas auditoriju nostāda miegainā stāvoklī. Neskatoties uz to, ir diezgan neiespējami novērst mūsu skatienu no ekrāna, jo visā attēlā notiek tik daudz, lai gan tiek parādīts tikai maz. Man patīk domāt par ‘Pagājušais gads Marienbadā’ kā filma, ko iedomājas no zemapziņas, tās atkārtojošās un mulsinošās dabas dēļ. Varoņi ir neizpratnē par dīvaino pasauli, kurā viņi arī ir ielikti. Tas ir nobriedis un izsmalcināts gabals, un es uzskatu, ka galvenais sižets - iesaistot vīrieti un viņa attiecības ar dīvainu sievieti, kuru viņš skaidri atceras par tikšanos iepriekšējā gadā, lai gan viņa to neatceras par viņu - ir ļoti aizraujoša, oriģināla, kaislīgs, romantisks, sapņains un, protams, izcils.

58. Meža zemenes (1957)

Vai kādreiz esat bijis ceļojumā, kur jums nav nekā labāka, kā skatīties pa logu? Noteiktu laiku jūs skatāties uz skatu ārpusē, pirms domas ienirst un tas, kas atrodas ārpusē, tagad ir tikai veidne - tas vairs nepiesaista jūsu uzmanību. Tā tas notiek ar Ismanu Borgu, Bergmaņa klasiskā noskaņu skaņdarba galveno varoni, kurš ir atradis savu vietu neskaitāmos visu laiku labāko filmu sarakstos, tostarp Stenlija Kubrika 1963. gadā sastādītajā. Viņš ceļo kopā ar savu vedekli, lai saņemtu grādu “Ārsts Jubilaris” no viņa alma mater. Viņai nepatīk viņš un viņa plāno atstāt savu dēlu. Bet mūsu profesoru, kuru atveido izcilais Viktors Šēstrēms, nākotne daudz neinteresē. Viņa domas un līdz ar to arī filma, ko katapultēja daudzi cilvēki, ar kuriem viņš sastopas, bija gaisma tikai viņa pagātnei. Skatoties caur Bergmaņa piedodošo, nodrošināto objektīvu, viņa atmiņas ir vienkāršas, pazīstamas un cilvēciskas. Viņi neslavē viņa dzīvi vai noraida viņa sasniegumus. Viņi ir nekārtīgi, tāpat kā lielākā daļa mūsējo un apzināti sagrozīti. Kad viņš beidzot ierodas vietā, kur viņam tiek piešķirts gods, mēs saprotam, ka viņam nekad nav vajadzīga atlīdzība. To viņš jau dabūja tajās zemenēs, kuras viņš savāca kopā ar savu bērnības mīļoto, tirgotāju, kurš viņu atcerējās, nemierīgās attiecības ar sievu, labo un slikto, izpirkšanas un nepiedodamo. Tāpat kā mēs šīs noslēpumainās, neizskaidrojami aizkustinošās filmas formā.

57. Spēles noteikumi (1939)

Žana Renuāra atjautīgā, graujošā manieru komēdija pēc visiem šiem gadiem izdodas noturēt pārsteidzoši labi, vienlaikus paliekot tikpat rotaļīga un spocīga kā vienmēr. Izlaišanas laikā no tā izvairījās gan kritiķi, gan auditorija, kā rezultātā Renoir pēc katastrofālās pirmizrādes izgrieza ievērojamu filmas daļu - daļu, kurā galvenokārt bija redzams Oktava varonis, kuru atveidoja pats Renuārs. Diez vai pārsteidzoši ir tā auguma pieaugums kopš tā laika. Filma savā viltīgajā, autoritatīvajā žonglēšanā ar varoņiem, tēmām, toņiem un iestatījumiem vienmēr ir deliriozi izklaidējoša, bet nekad ne mazāk centīga vai ne tik grezni veidota kā labākā pasaules kino no šī perioda. Tās rūpīgi viltotie vizuālie materiāli pulsē izsmalcinātībā, taču pūles nekad nav redzamas, un filma liek jums brīnīties, cik dziļi jūs esat sapinies tās prasmīgi veidotajā atmosfērā. Kinooperators Žans Bahelets un Renuārs spēlē ar kameru veidā, kas piešķir filmai gaisīgumu, taču viņu nerimstošā kontrole padara to par pastāvīgi intriģējošu uzņēmējdarbību. Ja ar to visu nepietiek, jums jāzina, ka Alēns Resnais savulaik teica, ka filma bija visnopietnākā pieredze, kāda viņam jebkad bijusi kinoteātrī. Būtu grūti atrast vairāk kvēlojošu ieteikumu.

56. Trešais cilvēks (1949)

Film-noir ir žanrs, kas saistīts ar filmām, kas izceļ tumšas alejas, noslēpumainas, vilinošas rakstzīmes, noslēpuma izjūtu un krēmīgi melnbaltu, lai to visu pārklātu. Lai gan daudzi no šiem attēliem ir intriģējoši un piedāvā labu laiku, nedaudzi mēģina kaut ko novatorisku un atšķirīgu. Trešais cilvēks ir viens no izcilākajiem jebkad uzņemtajiem filmām, jo ​​tas ārkārtīgi labi izstāsta savu apbrīnojamo stāstu, izmantojot iespaidīgus holandiešu slīpumus, pārsteidzošu gaismu un skaistu mūziku. Filma ir saistīta ar vīrieti un viņa paša veikto izmeklēšanu par viņa finansiāli turīgā drauga slepkavību. SižetsTrešais cilvēksir izklāta ar romantiku, tumšu humoru, līkločiem un spriedzi. Filmas centrā var saukt par mīļu mīlas stāstu, taču, ja tiek iemests viss pārējais, par šo sajūsmu var šaubīties. Atskaņojot meistarīgi uzrakstītu scenāriju, Kerola Rīda lielais opuss ir tas, kas jūs tur jūsu sēdekļa malā, sākot no tā pazemīgā, vieglprātīgā pirmā cēliena līdz beigām, kas ļoti labi var būt visgudrākais fināls jebkuram attēlam, kuru jūs esat. Es kādreiz redzēšu.

55. Kliedzieni un čuksti (1972)

Ingmara Bergmana traģiskajā ģimenes drāmā skumjas ir gan nevainojami izmisušas, gan drudžaini steidzamas. Tas nav pacietīgi veidots ainu pa ainai un līdz galam piegādāts uz šķīvja. Jums to liek ieelpot jau no filmas sākuma, kas iepazīstina galvenos spēlētājus un viņu sacietējušās, viegli uzliesmojošās bēdas ar krāšņiem tuvplāniem, kas padara viņu apslāpējošo diskomfortu spilgti redzamu. Tas viss ir pārklāts ar nepiedodamu sarkanās krāsas pārpilnību - sarkanā krāsā, ar kuru krāsotas mājas sienas, kurā stāsts notiek. Bergmans liek mums apzināties nāves smaku, kas apņem sievietes ar tik impozantu virzienu, ka faktiskā nāve nav iemesls satraukumam. Sievietēm raksturīgās vardarbīgās ilgas manā prātā visu filmā padarīja par spocīgu, asinīm piesātinātu atmiņu. Svina Nykvista nemainīgi aizraujošie vizuālie materiāli ir mīkstināti ar Bergmana smalko rakstību un aktieru meistarīgi pārdzīvotajām izrādēm. Izskatās, ka gaišais Līvs Ulmans mistificē un aizrauj katru reizi, kad kamera ir uz viņas, savukārt neticīgās Ingrīda Tulina un Harieta Andersone savā darbā ir tik ļoti neiemīļotas, ka, saskaroties ar savām jūtām, šķiet, ka ir invazīvas. Bergmans mums nedod skaidras idejas, ko paņemt līdzi uz mājām, bet mums noliedz visas citas sajūtas, izņemot tās, kuras piedzīvo viņa varoņi. Mēs brīnāmies, cik tālu viņa piekļuve mūsu emocijām iet, un viņš to pagarina ik uz soļa. Galu galā, ‘Raudām un čukstiem’ nav jātic, tas ir jādzīvo.

54. Reiz rietumos (1968)

Varbūt tas ir Morikones spokojošais rādītājs vai varbūt Delli Koli vīzija, kas ir tikpat plaša kā Rietumi, vai varbūt nemanāmā putra, kas rosās Bronsona un Fondas acīs, un varbūt tā ir visu šo aspektu kulminācija gandrīz katrā kadrā, ko veica maestro Serhio Leone. . Ja jums vajag rietumnieku, kuram piemīt gan Džona Forda skaistums, gan Sema Pekinpahas nepielūdzamā mežonība, tad Leonei vienkārši nav tuvu neviena. Savā lielajā opusā viņš sasniedz to, kas viņam iepriekš bija vajadzīgs 3 filmas, lai izveidotu mistisku pasauli nekurienes vidū. Lai gan virspusē var nebūt nekā garīga, filmai ir dievi. Dievu sporta vainagi, kas piepildīti ar 10 galoniem šaujampulvera, un smiltis, ko viņi norij ar ūdeni. Arī Henrija Fondas atlase kā antagonists, iespējams, bija šīs desmitgades lēmums, jo viņa ledaini zilās acis neatšķīrās no visa, ko Rietumi jebkad bija redzējuši.

53. Annija Hola (1977)

Neviens nevar apgalvot, ka viņš saprot mulsinošo, visu patērējošo mīkla, kas ir mīlestība, piemēram, Vudijs Alens. Neviena Vudija Alena filma nav tuvu tam, lai to parādītu patiesā, savdabīgā krāšņumā, nekā šis stāsts par Ņujorkā dzīvojošo neirotisko, nihilistisko komiķi Alviju Dziedātāju, kurš iemīlas 'vairāk nekā mīlestībā' ar aso, lidojošo, priecīgo Anniju Holu tad izkrīt no tā. Filma arī pēta dzimumu atšķirības seksualitātē, izmantojot Alvy’s un Annie ‘Yin and Yang’ veida attiecības. Galu galā pat Alvy pieņem mīlestību kā “neracionālu, traku un absurdu”, bet nepieciešamu dzīvē. Vairāku novatorisku stāstījuma paņēmienu izmantošana, piemēram, ceturtās sienas ekspromta pārrāvums, ātra pagātnes un tagadnes mija, izmantojot vienmērīgus griezumus, subtitros parādot, kā Alveja vai Annija jūtas, kamēr viņi patiesībā runā pavisam citādi, un stāsts stāstā ”kā kulminācija paaugstina jau saistošo stāstu. ‘Annija Hola’, iespējams, ir pirmā patiesi modernistiskā romantika ar celuloidu un tās vietā ir iedvesmojusi romantisku komēdiju paaudzi. Neviens nav tik burvīgs kā tas, kuru viņi cenšas atdarināt.

52. M (1931)

Balss ierakstīšanas tehnoloģijas parādīšanās, parādība, kuras virsotne bija 1927. gada ‘The Jazz Singer’, izraisīja absurdu dialoga piesātinājumu filmās. Tehnoloģija tika uzskatīta par pašsaprotamu kā tieša jaunināšana, nevis kā rīks, kas jāizmanto kopā ar izveidoto kinematogrāfisko valodu. Fricis Lengs, cilvēks, kurš sāka savu karjeru klusajā kino ar virkni meistarīgu darbu, tostarp Liktenis, Dr Mabuse, Spēlnieks, Die Nibelugen un izcilā Metropolis. Viņa migrācija uz skaņu sasniedza savu virsotni 1931. gada filmā “M” - filmā, kas pretēji visiem apkārtējiem avotiem bija atbrīvojusi gandrīz visu apkārtējo troksni. Rezultāts ir kluss talkijs ar pārliecinoši nedzīvu atmosfēru: tāds, kas tik efektīvi atbalsta tā stāstījumu. Attiecīgais stāsts ir vērsts uz bērnu slepkavu un Vācijas valdības nespēju viņu notvert - izveidojot savu ķenguru tiesu, lai sodītu slepkavu. Tas, ko Langs šeit komunicē, ir neticami nobriedis vēstījumā: Taisnīgumu, kas ir pelnījis kalpošanu, pilnībā grauj tā laika politiskais konteksts - ar Nacionālsociālistiskās partijas reģistrēto eitanāzijas politiku un arvien vardarbīgākajiem ideāliem, kas izpaužas kā ļauns audzējs cilvēku apsūdzībās. . Pētera Lorē izrāde, kas bagāta ar patosu un spīdzinātu humānismu, palīdz mājām iemest dziļu ‘M’ viltību, kas joprojām ir neizmērojami kustīga pat līdz šai dienai.

51. 12 dusmīgi vīrieši (1957)

Atbildi par to, vai zēns ir vainīgs, mēs to nekad neuzzināsim. Bet vienu lietu, ko apstiprina 12 dusmīgie vīrieši, loģika vienmēr ņems virsroku pār intuīciju, ja starp muļķu pasauli ir viens saprātīgs cilvēks. Un vai stulbums ir slimība vai tikai nezināšanas blakusprodukts? Sidnija Lumeta drāma nelūdz izmantot smadzenes pār sirdi, bet cenšas sasniegt punktu, kurā jūs varat pieņemt lēmumu, abiem strādājot tandēmā. Līdztekus kniedētajam scenārijam, kas lepni atrodas katras pasaules kino skolas mācību programmā, fotokameras un iestudējumi ir tieši no japāņu jaunā viļņa klasikas. 12 Angry Men ir amerikāņu kino piemineklis, kas lepojas ar ansambļa dalībnieku neaizmirstamu sniegumu.

50. Pilsētas gaismas (1931)

Čaplins bauda daudzu agrīno filmu veidotāju atzinību un popularitāti mūsdienu kultūrā. Tas varētu būt daudzu iemeslu dēļ. Viņa filmas runā ar ikvienu cilvēku un ir iekšu pārsteidzoši jautras, taču jo vairāk viņa stāstos melanholiskās situācijas tiek aplūkotas humoristiskā gaismā. Tāds ir viņa, iespējams, personiskākais attēls “Pilsētas gaismas”, kas stāsta par līgumreisu un viņa centieniem pārsteigt, kā arī palīdzēt nabadzīgajai neredzīgajai puķu meitenei. Viņš to dara zem fasādes, izliekoties par bagātu vīrieti, lai piesaistītu viņas uzmanību, taču, to darot, rodas nepatikšanas. Kad filma mūsdienās turpina būt tikpat smieklīga un aizkustinoša kā pirms vairāk nekā 75 gadiem, tas parasti nozīmē, ka kaut ko tā dara pareizi. “Pilsētas gaismas” ir atstājušas savu zīmi pasaulē ar nabadzības un dzīves attēlojumu smagajos depresijas gados, kas ir tik labi izpildīts un jūtams, ka nekad neizkustina auditoriju, vienlaikus dodot viņiem cerību labāka rīt.

49. Nāc un skaties (1985)

Neticami prasmīgas filmu veidošanas komandas pēdējā puse, režisors Elems Kilmovs bija precējies ar Larisu Šepitko - gaismas virtuozu, kas atradās aiz “Wings” un “The Ascent”. Kad viņa tik skumji gāja bojā autoavārijā, Kilmovs pabeidza darbu pie ārkārtas nepabeigtā projekta “Atvadīšanās” (kas vienkārši varēja viegli ieņemt šo vietu) - un es domāju, ka visu šo kontekstu padara tik spēcīgu tas, kā vīrieša bēdas izplūst asinīs katrs viņa darba rāmis. Kilmova kinoteātrī valda neizsakāms niknums un izmisums: saviļņojošais emociju svars - un tikai dažas filmas, kas jebkad tapušas, ir pulsējušas ar tik spēcīgu sajūtu kāNāc un skaties. Iespējams, ka labākā jebkad uzņemtā kara filma, tās Vērmahta iebrukuma Baltkrievijā attēlošana atbalsojas ar apdullinošiem sprādzieniem, murgainiem attēliem un pasauli, kas lēnām tiek iztukšota no dzīves - tās ainas tiek uzņemtas krāšņā, dobā gaismā. Tomēr visā šajās ciešanās Kilmovs atrod savu ceļu uz izpratni tās transcendentāli nobriedušajā secinājumā. Varbūt, apņemoties apsvērt dzīves īslaicīgumu, viņš beidzot atrod spēku apglabāt savas aizgājušās sievas kaulus. Atliek tikai cerēt.

48. Septītais zīmogs (1957)

Jau no pirmajiem Bergmana ikoniskā dokumenta par ticību, bailēm un apmierinātību attēliem ir uzburta burvestība. Stingrais, graudainais skatiens uz jūru, piekrasti un uz tās drosmīgs bruņinieks un viņa liktenīgā sastapšanās ar nāves personifikāciju nosaka filmas skaidrību par objektīvu, pat ja tas atstāj iespēju vilinošai, gandrīz šausminošai neskaidrībai pastāvīgi būt klāt. Izmantojot nesalīdzināmā Maksa fon Sidova magnētisko sniegumu un dalībnieku grupu, kas Bergmana pārsteidzošo materiālu, kas balstīts uz viņa lugu “Koka glezniecība”, paaugstina negaidītos līmeņos, “Septītais zīmogs” tā niecīgajās 90 minūtēs ietekmē: paaudžu paaudzēs nodota veca teika, kas iztēli dzen daudz plašāk, nekā tā pati var cerēt saturēt. Gunara Fišera dzirkstošā, kraukšķīgā melnbaltā krāsa nodrošina, ka mokošā intensitāte rāpjas zem mūsu ādas. Plūsmai līdzīgā plūstamība ir rezultāts stāstam, kas izvērsts ar cildenu pārliecību un taustāmu vienmērīgu galvu. Tas var būt pilnīgi vienkāršs stāsts, ka tomēr tā krūtīs ir vērtīgas idejas, taču tas ir šūts ar tik sarežģītu un drosmīgu audumu, ka nevarat to atkal un atkal apskatīt, lai tas pārtaptu ilgstošā atmiņā.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellīni piesardzīgi, pacietīgi un poētiski mīkstinātais virtuozs ir pilnībā redzams viņa Zelta palmas d’Or uzvarētājā, kurš savā dvēseliskajā un ēnainajā glamūrā iemūžina dzīvesveidu, kas šķiet pārāk nenotverams un dažos veidos pārāk reāls. Tās temps uzsver galvenā varoņa bezmērķīguma izjūtu un liek mums peldēties simpātiskā dzīves spilgtuma un tā īslaicīgā izkārtojumā. Šo varoni atveido karjeras labākais Marčello Mastroianni, kurš izmanto šo laika dāvanu, lai piepildītu acis ar neatvairāmu pasaules nogurumu. Apšaubot dažu “La Dolce Vita” sadaļu nozīmi, kuras, šķiet, nav filozofiski svarīgas vai atstāstītas, nozīmē noraidīt iespēju ļaut pikantajām detaļām nomazgāties un pēc tam pārdomāt sekas. Kad Nino Rota debesu partitūra mūs aizved galvu reibinošajā Romas pasaulē, kā redzams caur Fellīni iluzorajām acīm, jūs redzat tikai to, ko viņš vēlas, lai jūs redzētu, un tas ātri kļūst arī tas, ko vēlaties redzēt arī jūs.

46. ​​Psiho (1960)

Cilvēkus labākajā gadījumā var raksturot kā īpatnības. Cilvēka prāts, kas ir spējīgs uz daudzām apbrīnojamām lietām, arī spēj sevi deģenerēt līdz saprašanai. Alfrēda Hičkoka “Psycho” nav nepieciešami ievadi, jo tas galvu tur augstu, mūžīgo kinoteātru vidū. Papildus tam, ka tas ir klasisks, tas ir arī skumjš komentārs par cilvēku morāles trūkumu. Un tas nav Normans Beitss, kas par jums padomā! Bates kundzes kodīgais aizturējums, kas Normana dzīvi jau bērnībā un galu galā sasniedza briesmas, atgādina, kā mīlestība var būt smacējoša. Slaveni ir tas, ka Hihokoks pieņēma dīvainas politikas attiecībā uz psiho, kas ietvēra neielaišanu filmā ar vēlu ienācējiem. Tas tika pieņemts, lai nodrošinātu pilnīgu taisnību par filmas pulsējošo kulminācijas ainu. Trilleris patiesākajā formā ‘Psycho’ ir stāsts par dēlu, viņa māti un viņu neveselīgo īpašumtiesību saikni. Hičkoks finālā bija tik ļoti sargāts, ka viņš reklamēja filmu par šo tagu līniju - “Don’t give away the end - Tas ir vienīgais, kas mums ir!”

45. Solaris (1972)

Tarkovska ‘Solaris’ ir gluži kā filmā attēlotās parādības. Sākot no mulsināšanas ar tā dziļi iesakņoto jēdzienu līdz pārvēršanai par vienību, ar kuru nevaru šķirties, tā ir pieredze, kas man liek aizdomāties par katras Visumu veidojošās molekulas aizmirstību. Varbūt mēs zinām par zinātniskajām dimensijām, bet vai kāds instruments var aprēķināt mīlestības vai bēdu daudzumu, kas tiek turēts sirds nanogramā? Vai kaut kas var atrast smadzeņu šūnu, kur atrodas neaizmirstama atmiņa? Sākot no Baha burvīgās mūzikas sākuma sērijā līdz daudzgadīgajai šosejas ainai, Tarkovska laika izmantošana, lai atrautu skatītāju no normālas pasaules darbības, ir meistarīga. Solaris ir valstība, kurā emocijas jūs sūta uz pagriezienu ar neprātu, bet kurš to nepadarītu, kad ārprāts ir skaists, lai to varētu pieskarties, un pietiekami viscerāls, lai atbrīvotu jūs no sevis.

44. Šindlera saraksts (1993)

Svarīga filma, kurai ir ļoti noderīga Spīlberga dramaturģija, tā ir tikpat satraucoša un jūtīga pieredze pašai sev. Filma, tāpat kā daudzi citi šajā sarakstā, ir meistarklase kaut kam, ko es gribētu saukt par vienkāršotu, ietekmīgu stāstu stāstīšanu. Stāstījums seko Oskaram Šindleram, vācu uzņēmējam, kurš holokausta laikā izglāba vairāk nekā tūkstoš ebreju dzīvības, nodarbinot viņus savās rūpnīcās. Visi trīs galvenie spēlētāji, Liams Nīsons Oskara Šindlera lomā, Ralfs Fjeness kā Amons Gots un Bens Kingslijs kā Itžaks Sterns ir drausmīgā formā, izrādoties sirsnīgākajā izrādē. Aina jo īpaši filmas beigās, kur Šindlers sabrūk, ņemot vērā vēl to, cik daudz dzīvību viņš būtu varējis glābt, ir dziļi aizkustinoša un manā prātā joprojām ir iegravēta kā viena no spēcīgākajām un sirdsdarbīgākajām ainām Kino. Tas, ka filma tika uzņemta melnbaltā krāsā, reti, reizēm izmantojot krāsas, lai simbolizētu vai izceltu svarīgu elementu, palielina pieredzi. Viegli, Spīlberga labākā filma, tā joprojām ir būtiska filmu skatīšanās pieredze.

43. Arābijas Lorenss (1962)

Kino kā medijs paliek grandiozs. Tā kā viņu rīcībā ir vismodernākās tehnoloģijas, mūsdienu filmu veidotāji mums piedāvā viscerālu kino pieredzi. Bet ir dažas filmas, kas uzņemtas pirms CGI bija modē, kuru milzīgais un monumentālais mērogs nav atradis vienaudžus. Deivida Lēna episkā vēsturiskā drāma, kuras pamatā ir T. E. Lorenss , viena no slavenākajām Lielbritānijas figūrām, ir viena no šādām filmām. Tajā Pāters O’Tūls ir Lorensa lomā un hronizē viņa piedzīvojumus Arābu pussalā Pirmā pasaules kara laikā. Jau no sākumposma Deivids Līns glezno bezgalīgā tuksneša spožu kustīgu attēlu visā krāšņumā, kam palīdz kinematogrāfs Fredijs Jangs un Maurice Jarre aizraujoša partitūra. Bet tas nekādā ziņā neupurē emocijas ekstravagances dēļ. 'Arābijas Lorenss' savā sirdī ir satriecošs Lorensa rakstura pētījums - viņa emocionālās cīņas ar karam raksturīgo personisko vardarbību, viņa paša identitāti un dalīto uzticību starp dzimto Lielbritāniju un tās armiju un jaunatklātajiem biedriem iekšienē. arābu tuksneša ciltis. Šī pilnvērtīgā kvalitāte padara “Lawrence Of Arabia” par vienu no ietekmīgākajām filmām, kāda jebkad pastāvējusi.

42. Meklētāji (1956)

Iespējams, ka vislielākais jebkad tapušais vesterns, Džona Forda lieliskās karjeras izcilākā filma ‘Meklētāji’ ir amerikāņu klasika, starp labākajām filmām, kas radušās no piecdesmitajiem gadiem. Lai arī tobrīd apbrīnoja un respektēja, tā plosošā, satriecošā vara dažus gadus netika atpazīta, taču septiņdesmito gadu sākumā tā tika pasludināta par žanra klasiku un, iespējams, izcilāko vesternu, kāds jebkad radīts. Protams, laiks ir mazinājis daļu filmu spēku, bet ne to augsto, trakojošo Veina sniegumu, ne rasismu filmā, kas veicina dusmas un dusmas. Filmas vadošais stāstījums Ītans un viņa meklējumi ir mūžīgi, tikpat spēcīgi kā toreiz, iespējams, vēl jo vairāk tāpēc, ka tik daudz smalko stāstu punktu tagad ir skaidrs.

41. Pather Panchali (1955)

Filma, kas pasaulei parādīja Indijas kino un deva kinoteātrim vienu no labākajiem autoriem Satyajit Ray. Balstoties uz Bibhutibhusan Bandopadhay romānu, ‘Pather Panchali’ stāsta par nabadzīgu ģimeni, cenšoties uzplaukt daudzām dzīves grūtībām. Var apgalvot, ka tas romantizē nabadzību, jo skatītājs ir liecinieks daudzajiem pārbaudījumiem, ar kuriem saskaras ģimene, nopelnot iztiku. Neskatoties uz to, skatītājam paliek tieši mirkļi, kas iejaukti maestro Ravi Šankara mūzikā. Sirsnīgās attiecības starp Appu un viņas māsu Durgu, vilcienu secība, kas ir viena no filmas spilgtākajām vietām, pilnībā paver filmu citā līmenī. ‘Pather Panchali’ gadu gaitā ir kļuvusi par vienu no kulta filmām un regulāri un visu laiku ir iekļauta visu laiku izcilāko filmu sarakstos.

40. Kasablanka (1942)

Būtiskākā amerikāņu klasiskā filma. Tās šarmā, iespējams, ir kaut kas tik infekciozs, ka jūs joprojām to iemīlējat, pat visus šos gadus. Neatkarīgi no tā milzīgā atkārtojamības faktora, tā neaizmirstamais rezultāts (kā laiks iet!) Un visnotaļ citējamais dialogs ir spēcīgs gadījums. Vienkārši sakot, tas ir baudījums, kad visi lieliskās kinematogrāfiskās pieredzes elementi ir klāt tieši pareizajā daudzumā!

Sižets ir maigi izsakoties vienkāršs, brīžiem gandrīz robežojoties ar banālu. Cinisks, sirdi plosošs vīrietis, kurš vada slavenāko Kasablankas naktsklubu, nonāk krustcelēs, kad mīļotā dāma parādās kopā ar vīru. Sižeta ierīces šeit ir slavenās tranzīta vēstules, taču stāsts ir tieši par abiem mīļotājiem, kas atrodas otrā pasaules kara sākumposmā, un grūto lēmumu, ar kuru Bogarta varonis saskaras, pakārt vai atlaist. Tomēr, tāpat kā daudzās šī žanra filmās, izpildījums izdara triku, pārveidojot ‘Kasablanku’ par vienu no visu laiku saistošākajām romantiskajām drāmām, kas arī ir neticami labi spēlēta; Hemfrijs Bogarts un Ingrīda Bergmane ir izcilākie, un viņus asprātīgi atbalsta tādi spēlētāji kā Pols Henrīds, Klods Rainss un Konrāds Veidts.

39. Berijs Lindons (1975)

Skatoties uz kino kā mākslas formu, nevar noliegt Berija Lyndona pilnību, sākot no skaistas kinematogrāfijas, hipnotizējošām scenogrāfijām, izcilas mūzikas līdz spēcīgam režijam. Kā stāsts tas runā par jauna vīrieša dzīvi 18. gadsimta Eiropā, kad viņš uzkāpj uz aristokrātijas soļiem, lai tikai viņa sliktais liktenis viņu atkal novestu. Attēlā ir dažas no izcilākajām ainām, kādas jebkad filmētas, izmantojot žokļa pilienu gaismu, krāsas, fiziskās īpašības utt. Nav labāka veida, kā apkopot cilvēka dzīvi, nekā objektīvi paskatīties uz to, un tas ir tas, ko šī filma ir izdarīta, izmantojot neuzticamu stāstītāju. Tas ir auksts un tāls, reti dodot auditorijai iespēju sajust galveno varoni. No šī viedokļaBerijs Lindonsir bagātīgs raksturu pētījums ar bagātīgiem varoņiem, reālistisku pieskārienu un poētisku emociju paziņošanas veidu. Tas vienkārši ir kino vislabākajā līmenī.

38. Ģenerālis

Viens no vecākajiem saraksta nosaukumiem ‘The General’ kalpo kā atgādinājums, ka daudzi mūsdienu darbības meistardarbi sēž ļoti garā ēnā, kuru rada neviens cits kā klusās komēdijas ģēnijs Busters Kītons. Lai lepotos ar tikpat iespaidīgu daiļradi kā pat Čārlijs Čaplins, pēdējā mākslinieka piemīlīgais līgumreisu tirdzniecības vieta ir Kītona gadījumā ar apburoši dumjš rakstzīmju kavalkādi; to visu ieskauj sarosījies kinomākslīgums, kas izstiepj nesēja robežas tādos triecienos kā Šerloks juniors un Operators. Tas viss, nemaz nepieminot viņa magnum opus, 1927. gada The General: Pēc konfederācijas inženiera, kurš steidza brīdināt savu pusi par Savienības karaspēka virzību uz priekšu Amerikas pilsoņu kara laikā. Tās stāstījums veido veidni Džordža Millera nesenajai filmai “Mad Max: Dusmu ceļš” un gandrīz katrai jebkad uzņemtai kaķu un peles filmai, kas ir izturīga ar savu jautro komēdiju, iespaidīgajiem specefektiem un bravūrīgo triku, kas Kītonam liek vairāk apdraudēt savu dzīvi. nekā vienreiz par viņa mīlošās auditorijas adulāciju. Ģenerālis joprojām ir viena no, ja ne labākajām, jebkad uzņemtajām darbības filmām, kas izklaidējas ar katru savas unci un izdodas izsaukt tik daudz izcilu episkā mēroga momentu, lai sacenstos ar jebkuru šodien ar CG piepildītu traci.

37. Uzspridzini (1966)

Laiks ? Šūpojošie sešdesmitie gadi. Vieta? Londona. Pilsēta, kas apžilbina un apbrīno. Spilgts un krāšņi. Sekss, narkotikas un rokenrols. Kopumā diena Tomasa, modes fotogrāfa, kurš dzīvo dzīvi, teiksim, apšaubāma morāle, dzīvē. Notikumiem bagātā dienā, pārdzīvojot pāris fotogrāfijas, kuras viņš diezgan slēpti iemūžinājis parkā, viņš tajā atrod mirušu ķermeni. Viņš dodas uz to pašu vietu un atrod ķermeni kā vīrieti no pāra. Baidoties, viņš atgriežas savā studijā, lai atrastu to izlaupītu, bet ar vienu mirušā ķermeņa fotoattēlu. Nākamajā dienā ķermenis pazūd. Kas viņu noslepkavoja? Un kāpēc ķermenis pazuda? Kāpēc Tomass uzskatīja, ka viņam seko? ‘Blow Up’ ir režisora ​​Mikelandželo Antonioni klases darbs, kas gadu gaitā ir iedvesmojis daudzus filmu veidotājus, tostarp Braienu De Palmu un Frensisu Fordu Kopolu.

36. Plankumainā prāta mūžīgā saulīte (2003)

visvairāk skatāmo filmu

Galvu reibinošā, sirreālā mīlestības un sirdssāpju epifānija nekad nav tikusi pētīta tādā veidā un tik lielā mērā, kā to paveic ‘Plankumainā prāta mūžīgā saulīte’. Bagātīgs ar skaistiem attēliem un izgudrojamu partitūru, kas līdzīga klusuma laikmeta manieres skaņu celiņam, nav iespējams visu izskaidrot par ‘Eternal Sunshine of the Spotless Mind’. Nav šaubu, ka filma ir slāņota ar grūti sekojamu stāstījumu - lai gan patiesībā tā ir vienkārša, tiklīdz sākat sekot, - tā ir viena no tām filmām, kas ir ļoti izdevīga tikai tāpēc, ka jūs nevarat atturēt sevi nožņaugt pārdomāto koncepciju un dziļi aizkustināt filma, ka tā ir. Bet izrādes īstā zvaigzne ir tās rakstnieks, Čārlijs Kaufmans , kurš filmas “Mākslīgā prāta mūžīgā saulīte” formā, iespējams, ļoti labi ir uzrakstījis visdziļāk spilgtāko scenāriju, kāds jebkad ir bijis kino vēsturē. Filma, kas ir ne tikai unikāla savā veidā, bet arī bezgalīgi atkārtoti skatāma ar kaut ko jaunu, kas atrodama katrā skatē.

35. Taksometra vadītājs (1976)

Filmā ‘Taksometra vadītājs’ Martins Skorsēze dod mums vienu no Travisa Bikla laikmeta visvairāk satrauktajiem, maz ticams, tomēr dīvainajiem varoņiem. Filma seko viņam, kad viņš kļūst par taksometra vadītāju, lai tiktu galā ar bezmiegu, un vēro, kā viņu lēnām pārņem visi ārprāti apkārtējā pilsētā. Patiesais veids, kā taksometra šoferis uzvar kā filma, ir tas, kā tam izdodas uzrāpties pie jums, lēnām virzoties cauri šķēršļiem un šausmām, kas, šķiet, aizskar Trevisu Biklu. Tajā tas pamatoti nopelna atšķirību kā psiholoģisks trilleris, nevis drāma, kas bieži strādā vairākos līmeņos nekā vienkārši abi. Filma var būt satraucošs skatīties dažiem, ņemot vērā tās tumšo priekšmetu, vēl tumšāko attieksmi un nedaudz vardarbības, bet skatītājiem, kuri vēlas skatīties garām, tas nav nekas cits kā izcils mēģinājums izprast filmas daļu. cilvēka psihi, kas visbiežāk izceļas modrības formā. Es domāju, kurš gan nemūžina par to, kā pacelties līdz mūsu laika nepareizībai un to atdot? Tieši tā ir dziļi iesakņojusies fantāzija, ar kuru ‘Taxi Driver’ rotaļājas ļoti efektīvi. Filma tagad tiek plaši uzskatīta par vienu no vissvarīgākajām jebkad uzņemtajām filmām, un tā iepazīstināja pasauli ar spēku, kas bija Skorsēze.

34. Slavas ceļi (1957)

Pirms Stenlijs Kubriks devās tālāk, lai izpētītu neizskaidrojamos sabiedrības aspektus, kas ne tikai pārsniedza laiku, bet arī skatītāju cerības no viņu pašu, viņš izgatavoja šo kniedējošo kara gabalu, kuru es ierindoju līdzās ‘Nāc un redz’. Atšķirībā no pēdējās, Slavas ceļi savu sirdi plosošo WW versiju iegūst no tās pašas cilvēces sekluma, kas dominēja Kubrika pēdējos darbos. Kubrika pasaulē dēmonus nesedz asinis un dubļi, bet gan medaļas un lepnums, un elle gremdējas vissvētākajās vietās - galmā. Laikā, kad industrija bija pieņēmusi pievilcīgo 3 sloksni, Kubrika vienkrāsains krāsoja karu ar vienu toni. Ķermeņi, lupatas, kazarmas, dūmi, pelni, viss maskējās ar kopējo satraucošās mokas skatu.

33. Trīs krāsas: sarkana (1994)

Skumjākais mākslinieka nāves posms ir tad, kad jūs domājat, ka viņu pēdējais darbs ir viņu visu laiku lielākais. Tā tas bija ar poļu autoru Kšištofu Kieslovski un viņa pēdējo filmu ‘Sarkanā’. Pēc filmas pirmizrādes Kannās 1994. gadā Kīzlovskis jau bija paziņojis par aiziešanu no filmu veidošanas, bet tas ir vēl traģiskāk, jo gandrīz divus gadus pēc tam, kad viņš paziņoja par aiziešanu pensijā, tas kļūst vēl dziļāk skumjš. ‘Sarkanais’ ir pēdējā daļa viņa augsti novērtētajā „Trīs krāsas” triloģijā un ir par jaunu sievieti, kura sastopas ar vecu vīrieti pēc tam, kad viņš ar savu automašīnu nejauši notriecis suni. Vecais vīrietis ir atvaļināts tiesnesis, atrauts no dzīves un jebkāda veida emocijām un pavada laiku, izspiegojot citus cilvēkus. Starp abiem veidojas maz ticams saikne ar smalku romantisku pieskaņu. ‘Sarkanais’ ir par izredzēm un sagadīšanās gadījumiem, kas mūs piemeklē ikdienā, un par nespēju atzīt tā skaistumu un nozīmi. Visā filmā valda neizskaidrojama melanholijas izjūta par cilvēka likteņa un laika traģēdiju un par to, kā mēs kā cilvēki pasaulē esam kaut kādā veidā saistīti. ‘Sarkanais’ ir pārsteidzošs varoņdarbs filmu veidošanā un ir vienkārši viena no izcilākajām filmām, kāda jebkad uzņemta.

32. Sjerras Madres dārgums (1948)

Kā norāda nosaukums, dārgumu medības mums bieži asociējas ar pulsējošu piedzīvojumu un ar to saistīto adrenalīna pieplūdumu. Bet ir ļoti maz stāstu, kas runā par emocijām, kuras cilvēki piedzīvo, dodoties ceļojumā, lai iegūtu šo zeltu. Bieži tiek teikts, ka grūtības izceļ tavu patieso raksturu. ‘Sierra Madre dārgums’ stāsta stāstu, kur zelta iekāre rada negaršīgas izmaiņas raksturos, galu galā izraisot viņu individuālo pamestību. Kamēr uzmanība tiek pievērsta alkatībai, kas samaitā sirdsapziņu, skatītājam paliek cilvēka rakstura izpēte nelabvēlīgās situācijās. Traģiska mantkārības un nodevības pasaka - šī filma ieguva akadēmijas balvu kā labākais režisors, labākais adaptētais scenārijs un labākais otrā plāna aktieris. Gadu gaitā tas ir kļuvis par kulta klasiku kino cienītājiem visā pasaulē.

31. Daiļliteratūra Pulp (1994)

Mākslas daiļliteratūra - termins, kas tiek apzīmēts ar žurnāliem vai grāmatām, uzsverot vardarbību, dzimumu un noziedzību. Šie elementi žurnālus lika pārdot kā karstas pankūkas. Tarantīno paņēma šos elementus, sapludināja tos ap trim stāstiem un izveidoja stāstījumu, kas nebija mazāks par kino ģēniju. Viena no unikālākajām popkultūras filmām, kas tapusi, skatītājs tiek iepazīstināts ar pūļa hitman Vincent Vega, viņa noziedzības un motormuta Jules Winnfield, gangstera sieva Mia Wallace, boksera Butch Coolidge pasauli un tiek aizrauts ar viņu tā stilīgā attieksme pret noziedzību un vardarbību. Viens no vissvarīgākajiem filmas aspektiem, kas veicināja tās panākumus, bija Semjuela L Džeksona sniegums. Kā hitman Jules Winnfield, kurš Bībeles pantus citē kā sitienus, viņš bija fenomenāls. Viena no izcilākajām šī laikmeta filmām ‘Pulp Fiction’ ir kļuvusi par mācību grāmatu topošajiem filmu veidotājiem visā pasaulē.

30. Alžīras kauja (1966)

Dažas filmas ir pārņēmušas politikas nastu tādā veidā, kas bagātina to kinematogrāfisko efektu, bet atstāt it kā maigi nosaukto aizdedzinošo itāļu maestro Gillo Pontecorvo uzņemt Alžīrijas iedzīvotāju 50. gadu beigās vēl joprojām virmojošo uzliesmojuma punktu un pārvērst to par kaut ko pilnīgi pārliecinoši. Joprojām pastāvošās paralēles Pontecorvo apbrīnojami neitrālais terora un terorisma novērojums, ko izdarījušas abas puses, mūsdienās padara “Alžīras kaujas” piedzīvošanu par aizraujošu intelektuālu izaicinājumu mūsu izpratnei par melnbalto karadarbību, a-la Miklósas aizraujošo aukstumu Jancsó neizdzēšamā filmogrāfija. Turklāt tās kinohroniku rediģēšanas paņēmieni ir orientieris kino komunikācijā, un, manuprāt, tie daudz spēcīgāk izmantoja Nouvelle Vague izmisīgās griešanas tehnikas nekā daudzas no tās izpētes virsrakstiem. Reiz redzēts, nekad neaizmirstams - ‘Alžīras kauja’ ir vienkārši pasaules kino pamatsastāvdaļa.

29. Goodfellas (1990)

Režisora ​​sapnis ir radīt filmas laikmetu laikposmā, kurā tā tapusi. Bet Martinam Skorsēzes tas ir ieradums. Katru desmit gadu laikā viņš ir A-Lister, viņš ir izveidojis filmu, kas tiek uzskatīta par vienu no šī perioda izcilākajām. Septiņdesmitajos gados viņš veidoja ‘Taxi Driver’, 1980. gados ‘Raging Bull’, 1990. gados ‘Goodfellas’, 2000. gados ‘The Departed’ un 2010. gadā ‘The Wolf Of Wall Street’. Un tieši 1990. gada gangsteru drāma, kuras pamatā ir mafiozo biedra Henrija Hila patiesais stāsts, kļuva par vienu no žanra etaloniem. Filma, kuru Hils stāstīja pirmajā personā, hronizē viņa augšupeju un kritumu kā daļu no Ņujorkas mafijas no 1955. līdz 1980. gadam. Atšķirībā no visām gangsteru ekstravagancēm filmās “Krusttēvs” vai “Scarface”, “Goodfellas” nodarbojas ar autentiski ikdienas gangsteru dzīves sīkumi, koncentrējoties uz tikpat lielu uzmanību Hila attiecībām ar sievu Karenu kā viņa ekspluatācija ar bandas biedriem. Bet Skorsēze izmanto visas bultiņas savā triku drebēšanā, lai padarītu šo lietu pievilcīgu šis leģendārais tālmetiena šāviens , kāds neaizmirstams dialogs un Džo Peski eksplozīvs akts kā Tommy DeVito, Hill's vētrainais līdzgaitnieks. Runājot par nozieguma žanru, ‘Goodfellas’ ir tikpat labi, cik labi.

28. Nikns bullis (1980)

Martins Skorsēze ir pazīstams ar to, ka savās filmās attēlo stāstus par salauztiem, kļūdainiem, bieži pašiznīcinošiem varoņiem. Un viņš bieži ir izpētījis vēstures gadagrāmatas, lai patiesos stāstos atrastu savus kritušos varoņus. ‘Raging Bull’ ir leģendārā boksera Džeika LaMotas dzīvesstāsts, kura pašiznīcinošais un uzmācīgais dusmas, seksuālā greizsirdība un dzīvnieciskā apetīte, kas viņu padarīja par čempionu ringā, iznīcināja viņa attiecības ar sievu un ģimeni. Filma ir pilnībā uzņemta melnbaltajā krāsā, lai patiesi attēlotu laikmetu, kurā tā tika iestatīta, un tās noteikto tumšo, nomācošo noskaņojumu. Skorsēze gaidīja, ka tas būs viņa pēdējais projekts. Tādējādi viņš filmā bija cītīgi prasīgs. Tikpat veltīts bija Roberts De Niro, kurš spēlē galveno lomu. Viņš ieguva 60 mārciņas un faktiski apmācīja bokseri. Viņš pilnībā iesūc LaMotas īsā sapludināto manieri ar ugunīgu pilnību, pilnībā iegremdējoties raksturā. Viņš saņēma pelnītu par savām nepatikšanām. Šis ir Skorsēzes-De Niro lielākais triumfs. Intensīvs, spēcīgs magnum opus.

27. Krusttēvs: II daļa (1974)

Otro daļu vēsturē ir zināms, ka maz filmu atbilst pirmo slavu, atstājot mierā, dažos aspektos tās pārsniedz. Ja tiek sastādīts saraksts ar šādām filmām, tā kronis ir dārgakmens ‘Krusttēvs: II daļa’. Atbilstība pirmā mantojumam bija pats par sevi mammuca uzdevums, taču šis ‘Krusttēva’ sāgas turpinājums izdevās ne tikai ar to panākt, bet arī paplašināja savu mantojumu, lai kļūtu par daļu no izcilākā amerikāņu stāsta par jebkad stāstīto. Filma piedāvā divus paralēlus stāstījumus; viens nodarbojas ar Maiklu Korleoni kā jauno Korleones ‘ģimenes biznesa’ vadītāju, otrais demonstrē izcilo Robertu De Niro kā jauno Vito Korleoni un viņa nākšanu pie varas. Abi stāsti ir prasmīgi austi, nodrošinot vilinošu stāstījumu, kas neatbrīvo skatienu no skatītāja. Als Pačīno šeit veic dažus no saviem labākajiem darbiem, viņa jaunatklātais skatiens praktiski sakošļāj ainavu katru reizi, kad viņš parādās ekrānā. Viena no tām gandrīz ideālajām filmām, kuru var noskatīties neatkarīgi no laika, vietas un pēdējās skatīšanās reizes, un jūs joprojām nonākat pilnīgā iesniegumā un bijībā pret to. Ja I daļa ir svētais altāris, II daļa ir maize un vīns.

26. Pulksteņa apelsīns (1971)

Pirmais, kas, iespējams, ienāk prātā, kad tiek lūgts šo filmu aprakstīt ar vienu vārdu, ir ‘satraucošs’. Vienīgā filma sarakstā, kuru es uzdrīkstos atkārtoti apskatīt, es pieķēru sevi, ka, skatoties šo filmu, vairākas reizes sašūpojos. ‘Pulksteņa apelsīns’ ir viskompromisa sociālais komentārs, sniedzot izteiksmīgus attēlus, no kuriem nekad nevarēs atgūties. Tas ir tumšs, savīti un nenodrošina izpirkšanu tiem, kas to meklē filmā ar, iespējams, sabiedrības ziņā drūmāko distopijas atveidojumu. Un, manuprāt, tajā slēpjas filmas panākumi, aizvedot mājās satraucošu ziņojumu. Netradicionāls jebkādā veidā, ko jūs varat iedomāties, tas mums sniedz galvenos varoņus, kuri ir līdz galam niansēti un nododas “ultravioletās” un izvarošanas darbībām; tas komentē lietu sociāli politisko stāvokli visskarbākajā veidā, kādu vien varat iedomāties, jūs apjukuma stāvoklī, jo Alekss DeLoargs (ko spēlē harizmātiskais Malkolms Makdauels) ir pakļauts necilvēcīgiem atjaunošanas veidiem un beidzot atstāj auditoriju farrago no visām lietām, ko šī satraucošā pieredze liek justies uzreiz. Patiešām, Kubrickian izmēru darbs.

25. Vertigo (1958)

Stāsts par Vertigo notiek šādi - bijušais detektīvs Skotijs (Džeimss Stjuarts) cieš no akrofobijas sakarā ar incidentu, kas notika dienesta pienākumu izpildes laikā. Pie viņa vēršas vecs draugs, lai sekotu sievai Madeleinai, kura, viņaprāt, ir apsēsta. Sākotnēji skeptiski noskaņotais Skotijs drīz vien pašiznīcinoši apsēžas ar dāmu, kura, šķiet, ir daudz vairāk, nekā viņa atļaujas. Alfrēda Hičkoka spožums slēpjas faktā, ka viņa lielākās filmas, kas saviļņo skatīties pirmo reizi, šķiet, paver skatītājam jaunu izpratnes slāni katrā secīgā skatienā. Protams, uz virspusēju skatienu ‘Vertigo; ir labi izstrādāts psiholoģiskās slepkavības noslēpums. Bet, skatoties to atkal un atkal, tās vīriešu agresijas un sievietes tēla veidošanas tēmas vīrieša prātā sāk izvērsties kā bezgalības kaste un apņem tevi. Iespējams, ka visu laiku smalkāk novecojusī filma, Vertigo lēnām degošais spožums liecina par to, ka, atverot jauktas atsauksmes, filma tiek plaši uzskatīta par vienu no lielākajām jebkad uzņemtajām filmām. Trilleru meistara meistardarbs.

24. Hirosima, mana mīlestība (1959)

‘Hiroshima mon amour’, kas dzimusi no Francijas kreisā krasta redzētāja Alena Resnaisa prāta, ir filma, kas raud ar pārpasaulīgu spēku. Tās laika stāsts, kas savijās ar atmiņu un abu pasaules rētu, kas notika Hirosimā Otrā pasaules kara laikā, tika stāstīts ar divu cilvēku - viena francūža, viena japāņa - starpniecību, mēģinot apvienot valdošo postījumu, ko tur izraisīja. Izņemot to, ka no šādas neprātības neko nevar iegūt intelektuāli vai emocionāli. Tas ir darbs, kas pārņemts ar starptautiskām skumjām un sniedzas tālāk par pašu konfliktu un nonāk patiesībā un represijās, kas katru dienu vajā cilvēkus. Izmantojot atomu sprādziena atbalsis, mēs atrodam nelielu daļu no tā, kas mums pašiem ir tik nepareizi. Fakts, ka Resnais vienkārši saprot šo neaizskaramo neskaidrību, nevis mēģina to novērst, ir tas, kas padara Hiroshima mon amour par vienu no lielākajiem kino šedevriem.

23. Nejaušs Baltazars (1966)

Roberta Bresona pamestais šedevrs ir sajūtu vingrinājums. Tas novērš skaidra galvenā varoņa vai centrālās tēmas noteikšanu, ja vien neskaita dabas brīnumaino spēku, kas ir Baltazars, un, ja filmu uzņemat pēc nominālvērtības, jums tas nav. Bet, ja jūs atļaujat viņam kļūt par piekļuves punktu filmas emocionālajai un tematiskajai ainavai, ir grūti atgriezties no tās bez atlīdzības. Baltazara savdabīgais, slaidais un foršais vizuālais stils retrospektīvā šķiet gandrīz krāšņs; tās mierīgais trauslums, kas ietīts rezignētā, viennozīmīgi gudrā vadības izjūtā. Pat tā taustāmais godīgums slēpj pētītos centienus nedaudz aizkavēties, iestatīšanas un rakstura vienkāršībā barot bagātību, kas atstāta auditorijai, un dažos elpu aizraujošos gadījumos iedomāties. Tā kā aktieri runā tik maz par viņu grūtībām, mēs piedzīvojam nejaušus, nepamatotus nežēlības aktus un jūtam nomācošās skumjaspriekštos. Veidā, kurā pat visveiksmīgāko mākslinieku mērķis ir tikai uzlabot skatītāju sajūtas, pielāgojoties pārbaudītajam, Bresona attēli man sagādāja lirisku veidni, uz kura balstīties manas līdzjūtības lielumam, lai pat novērtētu, cik apzinās šī līdzjūtība. .

Tas viss mani atgriež pie sākotnējās domas. Katra mirkļa nozīmīgums “Balthazar” nav atkarīgs no tā, vai tā saturs tiek uzskatīts par sociāla vai pat politiska rakstura alegorijām, bet gan no tā, kā tie mūs padarasajustizbaudot viņu sarežģītību un klusumu, nevis paļaujoties uz bezprāta ekspozīciju, kuru izmanto lielākā daļa filmu. Tāpēc ir pilnīgi loģiski, ka varonis ir tāds pats ēzelis.

22. Andrejs Rubļevs (1966)

Es uzskatu, ka ‘Andrejs Rubļevs’ ir lielākais krievu autora Andreja Tarkovska tēlniecības koncepcijas piemērs laikā. Daudzi viņa pēdējie darbi bija abstrakti, jo viņš nodarbojās ar neticami personiskām tēmām un vizualizāciju, kas bija izkaisīta pa laika periodiem. Ar ‘Andreju Rubļevu’ Tarkovskis iemūžināja pats laiku un pēc tam to glāstīja ar mākslinieka dvēseles visdziļākajām nokrāsām. Tarkovska, iespējams, vienīgais režisors, kurš spēja novērtēt augstāko sasniegumu, attēlojot mākslinieka represijas. Viņš pēta Krievijas nomācošos režīmus, kas ir tikpat pamatiedzīvotāji valstī kā tās dziļā literatūra, kas pārsteidzoši apšauba vispievilcīgākos jautājumus par garīgo un metafizisko. Daudzas Tarkovska vēlākās iezīmes, tostarp dabas plūsmas filmēšana, ir novērojamas Andreja Rubļeva ceļojumā. Tā ir filma, kas jūs filmē, sagrauj un liek domāt - gan filmas laikā, gan ilgi pēc tam, kad kredīti ir uzkrājušies.

21. Piedzīvojums (1960)

Kā jūs jūtaties par neatrisinātu noslēpumu? Vai nepabeigts stāsts? Vai jūs meklējat slēgšanu, izmisīgi to meklējot? Vai arī jūs pieņemat faktus un pēc tam dodaties tālāk? Vai tā nav dzīve? Kompromiss un iet tālāk? Filma, kas Mikelandželo Antonioni izpelnījās atpazīstamību visā pasaulē, ‘L’Avventura’ ir stāsts par jaunu sievieti, kura pazūd jahtu brauciena laikā pāri Sicīlijas krastam. Viņas meklēšana apvieno bijušo mīļāko un labāko draugu, un sākas satraucošas attiecības. Kaut arī stāsts ir saistīts ar pazudušas sievietes meklējumiem, tā patiesais mērķis ir konstruēt stāstījumu, nekoncentrējoties uz lielu notikumu un joprojām nespējot piesaistīt auditoriju. Centrālo varoņu patiesie motīvi nekad netiek pilnībā izskaidroti, un, filmai beidzoties, skatītājs ir spiests pieņemt, ka daži notikumi paliek neizskaidrojami, tāpat kā dzīve. Neapšaubāms šedevrs!

20. Bez elpas (1960)

Ilgi pirms Kventins Tarantīno ar savu ārkārtīgi atjautīgo pieeju filmu veidošanā, kas pastiprināja stila, nevis satura nozīmi, bija šis vīrs vārdā Žans Liks-Godārs, kurš bez bailēm pārņēma tradicionālās kinematogrāfiskās gramatikas un neapdomīgi tās lauza. leju, no jauna definējot un veidojot filmas tā, kā mēs to šodien redzam, ar filmu ar nosaukumu “Bez elpas”. Varbūt nevienai citai filmai nav izdevies notvert īslaicīgo jaunības trakumu tā, kā to dara ‘Breathless’ ar savu neapdomīgo enerģiju un apreibinošo noskaņu. Dīvainais lēcienu griezumu pielietojums uzmundrina priekšnoteikumam piemītošo trakumu, jo Godards sīvi elko jūs no viņa varoņiem, lūdzot koncentrēties uz sižeta fragmentētajiem aspektiem, nevis uz visu stāstu. ‘Breathless’ ir viena no vissvarīgākajām filmu debijām kino vēsturē, un, lai arī tā turpina cinephiles un kritiķu polarizāciju, nevar noliegt, ka tā ietekmē mūsdienu kino.

19. Septiņi samuraji (1958)

Akira Kurosava ir viena no oriģinālākajām, ietekmīgākajām un atsaucīgākajām režisorēm, kāda jebkad dzīvojusi. Rodžers Eberts par Kurosavu reiz teica: “Varētu apgalvot, ka šis lielākais režisors nākamajos piecdesmit gados deva darbu darbības varoņiem”, un viņš nevarēja būt patiesāks. Sergeja Leones ‘A Fistful Of Dollars’, kas, kā teikts, ir radījis spageti Western žanru, iedvesmojies no Kurosavas ‘Yojmbo’. Arī mūsu pašreizējais ieraksts ir tehniska un radoša ūdensšķirtne un ir iedvesmojusi neskaitāmus tiešos pārstāstījumus, kā arī daudz vizuālā elementa mūsdienu kino . Episkā drāma hronizē stāstu par septiņiemRonins(bezmeistaru samuraji), kuri ieročos aizstāv nabadzīgu civilizāciju, kurai vairs nav vietas, no bandītu sagrābšanas 16. gadsimta Japānā, kas beidzas ar sīvu klimatisko cīņu. Bet ‘Seven Samurai’ spožums slēpjas faktā, ka tas stāsta virkni labi izstrādātu stāstu, kas aptver dažādus žanrus ar galveno drāmu. Visā filmā ir darbības, piedzīvojumu, romantikas un pilngadības elementi. Tas sastāv arī no tik bagātīgi attīstītiem varoņiem kā rets steiks, kas vēlāk kļūtu par vairāku žanru štāpeļšķiedrām. Patiesi iedvesmojošs mākslas darbs.

18. Dzīvības koks (2010)

‘Dzīvības koks’ ir augstākā kino forma: tas vienkārši nestāsta stāstu, bet tā mērķis ir mainīt jūsu dzīvi. Tā ir filma, kurai būs vajadzīgs laiks, lai izaugtu pie jums, un, kad tā notiks, jums būs grūti nepārtraukti par to nedomāt. Kinematogrāfisks dzejolis ar ārkārtēju vērienu un vērienu “Dzīvības koks” ne tikai lūdz skatītājus novērot, bet arī pārdomāt un sajust. Vienkāršāk sakot, tas ir stāsts par sevis atrašanas ceļojumu. Sarežģītākajā gadījumā tā ir meditācija par cilvēka dzīvi un mūsu vietu lielajā lietu shēmā. Nav svarīgi, kādai ticībai jūs ticat, vai vispār ticat augstākai būtnei. Filmā īstā izbrīna izjūta rodas no burvības, kāda ir pati dzīve. Filmas skaistākais aspekts ir tas, ka tā ar laiku kļūst arvien labāka, piemēram, smalks vīns.

17. Tuvplāns (1990)

Vēlā lielā Irānas autore Abbasa Kiarostami skaistumu un dzeju bieži redzēja absurdāk ikdienišķajās cilvēku dzīves epizodēs. Ar mānīgi vienkāršiem sižetiem un naturālistiskiem uzstādījumiem Kiarostami izpētīja universālas tēmas, kas nemanāmi pārvarēja kultūras barjeras, pateicoties cilvēces veidam, kurā viņa kinoteātris pēc būtības bija iesaiņots. “Tuvplāns” ir neapšaubāmi viņa paveiktākais darbs un viens no oriģinālākajiem, izgudrojuma darbiem. kinematogrāfiskā māksla. Filma izpaužas dokumentālās fantastikas formā, lai hronizētu cilvēka, kurš atdarināja Irānas kinorežisoru Mohsenu Makhmalbafu, reālās dzīves pārbaudi. Lomās ir cilvēki, kuri faktiski bija iesaistīti izmēģinājumā, spēlējot sevi filmā. 'Tuvplāns' ir pārsteidzošs cilvēka identitātes izpēte, kas redzama parastā cilvēka acīs, kurš cīnās, lai tiktu galā ar sevi un savu dzīvi, un izmisīgu skumju un patiesas mīlestības pret kino mākslu dēļ viņš iesoļo sava elka ādā. zināt, kāda ir sajūta būt patiesi dzīvam, apbrīnotam un cienītam. Tā ir visaugstākās pakāpes filmu veidošana.

16. Žanna Dielmane, 23, Quai Du Commerce, 1080 Brisele (1975)

Šī franču avangarda iezīme, kuras galvenā varone ir Delfīna Seiriga, nav tikai kino pieredze. Tas ir tuvāk vingrinājumam - testam un ietekmē tevi tādā veidā, kādu pirms vai pēc tam ir izdarījušas dažas citas filmas. Neatkarīgais darbs koncentrējas uz trim dienām vientuļa, satraukta mājražotāja dzīvē, jo viņa pārdzīvo savu stingro grafiku, kas piepildīts ar ikdienišķiem mājsaimniecības darbiem. Viņa ir māte un atraitne, kas vakara laikā veic kungiem seksa darbu, lai nopelnītu iztiku. Problēmas rodas, ja otrajā dienā viņas rutīna ir nedaudz traucēta, izraisot sava veida domino efektu, kas atspoguļojas stundās pēc tā.Žanna Dielmaneievelk vienu savā lēnajā un meditatīvajā pasaulē ar Akermana raksturīgo režisora ​​parakstu, kurā iesaistīta diegetiskā atmosfēra, un hipnotisku auru, ko rada mierīga, smalka un pacietīga meistardarbība, kas ir sāpīgi eksistences vienmuļības svētki.

15. Rašomons (1950)

Viens no sava laika netradicionālākajiem un eksperimentālākajiem filmu veidošanas veidiem ‘Rashomon’ vēro meistaru darbā, visu iztērējot ar stāstīšanas prasmēm. Vienkāršāk sakot, tas ir stāsts par incidentu, kas notika, ņemot vērā četrus ļoti atšķirīgus viedokļus - apsūdzēto, cietušo un to, kas apgalvo, ka ir aculiecinieki. Tas visos tehniskajos apstākļos izceļas ar gandrīz nevainojamu montāžu un meistarīgu vadību, taču filma nodrošina uzvaras tematiskajos jautājumos, ar kuriem tā nodarbojas; jautājumi par absolūtas patiesības esamību. Vai tiešām patiesība ir tik objektīva un netaisnīga, kā to izdomā, vai arī ar to ir saistīta kāda subjektivitāte? Parasti tas ir objektīvs vai vismaz tiek plaši uzskatīts par tādu, šķietami nav citu tā versiju. Šī filma to apšauba tādā veidā, ka skatītājs pats paliek aizrautīgs ar jautājumiem, bieži komentējot arī to, kā cilvēki dažkārt nav pilnīgi godīgi pat pret sevi. Tas ir tik tematiski sarežģīts, cik tas kļūst, tomēr šķietami tik vienkārši, cik vēlaties.

14. Stalkers (1979)

Saglabājot mazākos pēcnācējus, kuru vidū ir ļoti veiksmīgs televīzijas seriāls “Westworld”, nevar pārspīlēt “Stalker” kolosālo ietekmi uz vizuālo stāstījumu. Idejas - filozofiskas, garīgas un zinātniskas -, kā arī to veiklās, krāšņās kinematogrāfiskās izpētes filmas “Stalker” laikā ir radījušas iespaidus par daudzām zinātniskām fantastikām. Tas nav tik daudz kā planēšana, transu izraisošs un dažos gadījumos abstrakts temps vai dvēseli rosinoša monohromatiskās sēpijas izmantošana ārpus “zonas” un Igaunijas vietu nospiedumu krāsas, kas atspoguļotas tādu filmu veidotāju darbos kā Terenss Maliks un Lavs Diazs, nosaucot dažus, bet ilgstošo pacietību un pazemību. Pārsvarā nododot auditorijai filozofisko valdību, Tarkovskis atstāj skatītājiem tik daudz vietas, lai viņi paši varētu atklāt vairākas filmas metafiziskās šķautnes, ka pat tās nepārspējamā burtiskā un vizuālā dzeja šķiet tikpat mūsu izdomājuma kā viņa paša izdomājums. un viņa līdzstrādnieki ”. Un tomēr filma paliek nomaļa, ievedot mūs neaptveramos prāta un sirds noslēpumos, un mēs nekad nebeidzam tos atšķetināt, jo taisns ceļš nekad nav pareizs.

13. Fannija un Aleksandrs (1982)

Gandrīz 35 gadus pēc sākotnējās izlaišanas Bergmana pēdējā režijas iezīme ir tikpat aizraujoša, kā to izšķirt kā kritiķiem visā pasaulē tajā laikā, kuri, šķiet, visi cīnījās, lai nodrošinātu viņu viedokļu uzklausīšanu. Šie viedokļi bija daudz atšķirīgāki nekā mūsdienās, taču filmas vietu Bergmana filmogrāfijā joprojām šķiet grūti definēt. Tas neatšķiras pēc toņa, uzbūves un milzīgā apjoma, no tā, ko Bergmans bija darījis līdz šim brīdim. Bet tas ir arī neapstrīdams visu viņa tematisko un vizuālo instinktu apvienojums, kas šķērsots šajā dzīves apstiprinošajā ģimenes gobelēnā 1900. gadu sākumā Zviedrijā. Gleznainais pārpilnība, šķiet, pievērš visu uzmanību pirmajā skatīšanās reizē ar dziļi iesakņojošām sarkanām, zaļām un maigām, siltām dzeltenām variācijām, kas veido tik reibinošu krāsu paleti, ka tās neesamība - kad viss ir pārklāts ar baltiem, melniem un skarbiem ziliem - šķiet sodošs. Bergmana pedantiski izstrādātās hronikas izstaro ģimenes piknika virpuļošanos un labi pārzina cilvēku saites, kuras gadu desmitiem ilgi satur īsta, trausla pieķeršanās. Šajā dāsni uzstādītajā dzīves nodošanā gan dzimšana, gan nāve ir nejauši. Mazajā pasaulē šie tēli, tāpat kā lielākā daļa no mums, apdzīvo apkārtmēru priekus, uz kuriem var cerēt, un viņiem viņiem pietiek, kā mums vajadzētu būt. Vai tas viss ir ilūzija? Vērojot, kā šis gigantiskais ansamblis rada tādus brīnumus, varētu tā domāt. Ja tā ir, ticiet man, jūs nevēlaties, lai tas tiktu sagrauts.

12. Apokalipse tagad (1979)

Ir kara filmas, kas parāda karadarbības sarežģījumus (piemēram, “Enemy At The Gates”), dažas citas, kas slēpj un riebina tā jēdzienu (piemēram, “Pianists”), un tad tur ir pārdrošais “Apocalypse Now”, kas nepiedāvā viedokli vai secinājumu, bet tā vietā ir attēlots kara šausmu grafisks attēlojums, vienlaikus slavinot karavīrus, kas tajā piedalās. Līdz šai dienai plosās debates par to, vai ‘Apocalypse Now’ ir karu atbalstošs vai pretkarīgs. Mīli vai ienīsti; pārliecināts ir tas, ka tu to atcerēsies. Viens no problemātiskākajiem iestudējumiem Holivudas vēsturē, rakstnieka-režisora ​​Fransisa Forda Kopolas pēdējais izcirtums beidzās ar viņa tehniski izcilāko darbu. Plika priekšnoteikums ir vienkāršs - kapteinim Vilardam ir “jāpārtrauc ar ārkārtīgiem aizspriedumiem” pulkvedis Kurts, kurš ir ienācis ienaidnieka teritorijā un devies prom no AWOL. Bet tas ir Vilarda novājinošais ceļojums pāri Vjetnamas mokošajiem kaujas laukiem (tos paaugstina Vittorio Storaro elpu aizraujošā kinematogrāfija), kas joprojām ir iegrimis prātos tālu pēc kredītreitinga. Attēlojot vienu neaizmirstamu ainu pēc otras un pārliecinošus Martina Šīna kā Vilarda, Marlona Brando kā Kurca un Roberta Duvala kā “napalma entuziasta” pulkvežleitnanta Kilgora izrādes, “Apocalypse Now”, kā pareizi apgalvoja Kopola, “nav par Vjetnamu. Tā ir Vjetnama ”.

11. 400 sitieni (1959)

Fransuā Truffaut ‘400 sitieni’ ir patiess mākslas darbs, kas izriet no patiesām sāpēm. Patiesi sirsnīgs un dziļi personisks darbs Truffaut veltīja filmu savam garīgajam tēvam un starptautiski atzītam kino teorētiķim Andrē Bazinam. Atšķirīgi autobiogrāfiskā rakstura paša Truffaut bērnība bija satraukta, un tas ir ļoti skaidri atspoguļots filmā. No ārpuses filma ir par nepilngadīgo un pusaudžu likumpārkāpumiem, kurus bieži veicina sabiedrības un vecāku nolaidība. Ieskaties nedaudz dziļāk, un jūs atradīsit filmu par cerību; cerība, kas ir gan intensīva, gan terapeitiska. Galvenais varonis Antuāns Doinels zināmā mērā ir pati sabiedrības pārstāvība, sabiedrība, kas savas neveiksmes slēpj aiz noteikumiem, sodiem un spriedumiem. Filma plūst kā upe un ved skatītājus cerības, izmisuma, iejūtības un pat milzīgu dusmu ceļojumā. Ja kādreiz esat vēlējies redzēt, kā izskatās šedevrs, skatieties tālāk kā ‘The 400 Blows’.

10. Mulholland Drive (2001. gads)

Deivids Linčs nav filmu veidotājs. Vīrietis ir sapņotājs. Un ‘Mulholland Drive’ ir lielākais sapnis, kādu viņš sapņojis. Sapnis, kas aptver visas emocijas, kas aptver cilvēka eksistenci. Ir grūti izskaidrot vai aprakstīt tādu filmu kā ‘Mulholland Drive’, jo šī ir filma par pieredzi un to, ko jūs no tās ņemat, nevis sižets, kas balstīts uz parastu stāstījumu, kas sniedz jums atbildes, ar kurām jūs varētu laimīgi aizvest mājās. Linčs bieži ir teicis, ka viņa redzējums par filmu pamatā ir balstīts uz daudzām idejām un jūtām. Un tas kļūst par vārtiem, lai saprastu tik sarežģītu un daudzslāņu filmu kā ‘Mulholland Drive’. Tas ir sapņu, ambīciju, vēlmju un murgu labirints. Linčs zina, kas mūs visvairāk šausmina un kas mūs dzen uz milzīgu ārprātu. Un tieši šis satraucoši intīmais cilvēka zemapziņas atspoguļojums padara ‘Mulholland Drive’ par tik dziļi mokošu mākslas darbu. Tāds, kas apņem jūs ar siltuma un maiguma sajūtu, pirms tiek sagriezts tieši caur galvaskausu.

9. Velosipēdu zagļi (1948)

“Vienkāršība ir izcilākā izsmalcinātība” - Leonardo Da Vinči. Viens no sarežģītākajiem uzdevumiem filmu veidošanā ir izdomāt, kad beigt savu filmu. Velosipēdu zagļu beigas ir tik tonāli sinhronizētas ar sākumu, kad mēs sākam no Antonio, ikdienas cilvēka, kurš parādās no pūļa, līdz Antonio, ikdienas vīram, izkliedējot pūlī. Dzīve pēckara Romā katru dienu bija pārvērtusies par cīņu, un tikko bija kāds, kurš no šī ciešanu purva izveidojās. Ir ļoti maz filmu, kas sniedz tik dziļu introspekciju kā Velosipēdu zagļi. Tā ir filma, kas salauzīs jūsu sirdi gabalos un tomēr iedvesmos jūs dzīvot pilnībā. Reti filmā tik vienkārša filma ir tik izcili efektīva savā vēstījumā. Faktiski nav iespējams aizmirst filmu, kad esat to noskatījies. Lai arī filmas lielākais sasniegums ir tas, cik daudz neatkarīgu filmu veidotāju tā iedvesmoja, kuri līdz šai dienai par savu iedvesmu min “Velosipēdu zagļus”.

8. Tokijas stāsts (1953)

‘Tokijas stāsts’ ir tas, uz ko tiecas katrs filmas veidotājs, kurš vēlas pateikt jēgpilnu stāstu. Skaidrs, ka visi no tiem nepietiek! Nav labāka filmas piemēra, kas episko stāstu padara tik vienkāršu, bet meistarīgu, efektīvu un neaizmirstamu. Ar ‘Tokyo Story’ Yasujiro Ozu sasniedza kaut ko tādu, kas ir katra dzīvā kino režisora ​​sapnis: mūžīgi dzīvot skatītāju sirdī un prātā. Ikviens, kurš ir redzējis ‘Tokyo Story’, zinās, par ko es runāju. Filma stāsta par novecojošu, tradicionālu japāņu pāri, kas apciemo savus bērnus Tokijā tikai tāpēc, lai saprastu, ka viņu bērni ir pārāk aizņemti ar savu dzīvi, lai par viņiem rūpētos, un ir kulturāli un emocionāli ļoti attālinājušies no viņiem . Filmā ir arī tik lieliski, ka tā ir universāla tēma, ar kuru var atsaukties ikviens un jebkur. Ozu filmas veidošanas stils nodrošina arī to, ka jūs esat iedziļinājies pasakā, kas piedāvā dziļu ieskatu mainīgajā cilvēka psihē mainīgajos laikos. Vienkārši izcili!

7. Mīlestības noskaņojumā (2000)

‘In Mood For Love’ ir vienkārši lielākais mīlas stāsts, kāds jebkad uzfilmēts. Periods. Tik viegli tā varēja būt luga vai pat dzeja. Ar skaistiem, valdzinošiem attēliem un izsmalcinātu, dvēseli caururbjošu mūziku ‘In The Mood For Love’ stāsta sarežģītu stāstu par diviem vienkāršiem indivīdiem. Divi indivīdi, kuri pārdzīvo iemīlēšanās bailes un vilinājumu; un reiz iemīlējies, milzīgās sāpes, atstājot to nepilnīgu. ‘Mīlestības noskaņojumā’ ir attēlota mīlestība visneaizsargātākajā formā. To darot, tas atklāj mūsu pašu ievainojamību un to, cik bezpalīdzīgi mēs esam mīlestības priekšā. Reti filmai, kas ir tik nepietiekama un tik atturīga, pēc skatīšanās ir tāda ietekme.

Es neesmu pārliecināts, vai režisors Wong-Kar-Wai ir iecerējis uzņemt uzņemto filmu, ņemot vērā, ka viņš galvenokārt filmēja filmu bez scenārija. Ja paskatās uz vēsturi, tad visvairāk mākslas darbi ir laimīgi negadījumi. Starp tiem skaita ‘In Mood For Love’.

6. 8 1/2 (1963)

Astoņarpus numurs itāļu maestro filmogrāfijā, šī svelmejošā, saldā fantāziju, murgu un pārāk dubļainās realitātes epopeja ir kā biskoti - pēc izskata apņēmīgi absurds un cepts tādā veidā, kas neļauj to pilnībā apēst vienu piegājienu. Tās biedējošais, nemierīgais kameru darbs papildina Fellīni apzināto redzējumu par filmas veidotāju, kurš mēģina novirzīt daudzos mainīgos pārdzīvojumus, ko viņš piedzīvojis savas mezglotās dzīves laikā savā jaunajā filmā. Lai cik daļēji autobiogrāfisks tas būtu, '8 1/2' vēsmojas gar auditoriju ar visu savu apburošo sarežģītību neskartu tik radikālā tempā, ka es atklāju, ka mēģinu dekonstruēt tās apbrīnojami sacerētos attēlus, lai atrastu savu vietu Fellīni augstā specifika, taču tā nekad nespēja stingri piezemēties uz zemes.

Izmantojot Marcello Mastroianni ēnotās gravitas, Fellini milzīgā elektrība var būt milzīga. Jūs turaties pie sava konkrētā mirkļa uztveres un atpazīstat tā tveicīgo bagātību, tikai atklājot, ka filmas veidotājs ir pārcēlies uz citu plandošu, patīkami noskaņotu secību. Viņa idejas par māksliniekiem un viņu mulsinošo, smieklīgo apsēstību ar sevi var šķist novecojušas - vai vēl sliktāk - nav nozīmes, taču viņu uzbūves un izteiksmes nekaunība mums nekad netiek zaudēta. Tas mūs apbur un pievilina, nekad neļaujot mums atraut acis un pēc tam izslīdam caur pirkstiem, kad mums uzaus, ka mums tas nekad nav bijis pa rokai. Fellīni daudz neatšķiras no filmas gaišreģes Mejas, kura, šķiet, zina, ko visi domā: prasmi, ko viņas asistente piedēvē telepātijai. Kad mūsu varonis Gvido iztaujā asistentu par to, kā viņa to dara, viņš skaidri atzīmē: “Daļēji tas ir triks un daļēji reāls. Es nezinu, bet tas notiek. ' Neviens vārds nevarētu būt piemērotāks, lai aprakstītu filmu.

5. Persona (1966)

persona

Es domāju, ka ir droši teikt, ka ‘Persona’ viens pats salauza kino. Būdama šausmu filma virspusē, Ingmara Bergmana 1966. gada klasika drīzāk ir individuālās identitātes pētījums nekā jebkas cits. Izmantojot novatoriskus montāžas paņēmienus, asus kameras leņķus, aukstas izpausmes, aizraujošus dialogus un lielisku virzienu, šī filma pēc iespējas pilnīgi neviennozīmīgi stāsta stāstu par slaveno aktrisi, kura zaudē balsi, un medmāsu, kas par viņu rūpējas. nomaļā mājā, kur viņu raksturīgās personības lēnām sāk saplūst savā starpā. Būdams režisora ​​„kinematogrāfiskākais” pasākums, „Persona” pārliecinās, ka tiek pagriezti visi ierastie filmu veidošanas noteikumi, lai mēģinātu radīt jaunu un aizraujošu pieredzi. Tā kā daži no izcilākajiem darbiem, kas jebkad uzlikti celuloidam, filmas atmosfēra palīdz mums novērtēt jautājumus, kas mums par to rodas, gudri pievēršot uzmanību amatam, kas tiek spēlēts. Vienkārši nepastāv nekas tāds kā ‘Persona’, un tas ļoti labi varētu būt fakts.

4. Krusttēvs (1972)

Iespējams, visu laiku ietekmīgākā filma. Viens no retākajiem pielāgojumiem, kas faktiski ir labāks par izejmateriālu - šajā gadījumā Mario Puzo tāda paša nosaukuma romāns - filma ir izturējusi gadsimtiem ilgi un ir klasika vārda vistiešākajā nozīmē, kas ar katru reizi kļūst arvien labāka. skatīšanās. Filma hronizē mafijas ģimeni Dona Vito Korleones vadībā un koncentrējas uz viņa dēla pāreju, kad viņš patriarha nāves laikā pārņem ģimenes biznesu. Neapšaubāmi, izrādes ir viena no galvenajām šīs filmas priekšrocībām. Lielie spēlētāji, tostarp Marlons Brando kā Vito Korleone un Als Pacino, kā Maikls Korleone, ar savām performancēm pārdefinē aktiermeistarības standartus. Paredzams, ka viss pārējais, it īpaši scenārijs, noskaņojuma režisora ​​kinematogrāfija un partitūra, būs A likme un žanru noteicošais. Pietiekami pareizi, nepastāv sinefils, kurš nebūtu redzējis šo filmas šedevru. Tas ir altāris, kur mēs ejam lūgt.

3. Pilsonis Keins (1941)

Amerikāņu kino Svētais Grāls. ‘Citizen Kane’ definēja gandrīz visus aspektus, kas ietver kino mākslu. Filma, kas pārkāpa neskaitāmus filmu veidošanas principus, lai tikai radītu jaunus. Sākot ar tā revolucionārajām tehniskajām īpašībām, ieskaitot apgaismojumu, skaņu un vizuālo izskatu, līdz pat ļoti novatoriskajam stāstīšanas stilam, Citizen Kane mainīja filmu veidošanas veidu. Filma ir dziļi pamatīgs personāžu pētījums, kas izpaužas kā noslēpumaina drāma, atklājot patiesas mīklas izdevniecības magnāta dzīves patiesību, kura pēdējais vārds ir piesaistījis reportiera interesi. Viņš dodas ceļojumā, izpētot cilvēku, kurš savulaik savu dzīvi uzsācis ar neapstrādātām ambīcijām un vēlmēm, bet drīz pakļausies alkatības un autoritātes pavedinošajām spējām. ‘Citizen Kane’ ir ārkārtīgi spēcīgs mākslas darbs, kas plaši skata dziļas tēmas un uztver bezgalīgi sarežģītos cilvēka dzīves emocionālos aspektus.

2. Spogulis (1975)

Vai māksla varētu būt tik personīga, ka nevarētu atšķirt to no tās radītāja? Šis ir jautājums, kas mani pārsteidza, kad es pirmo reizi redzēju Andreja Tarkovska ‘Spoguli’. Tas ir mākslas darbs, kurā mākslinieks pilnībā nododas savam darbam, un jūs nespējat nošķirt viņu no darba, ko viņš dara. Tas ir gandrīz tā, it kā Tarkovskis elpotu visu filmu. Auteuri ir veikuši savus šedevrus, mainot un veidojot kino tā, kā mēs to šodien redzam, bet Tarkovskis spēra soli tālāk un sasniedza nesasniedzamo; piešķirot dzīvību savai mākslai. ‘Spogulis’ ir tikai elpojošs kino. Jūs varētu redzēt Tarkovski, viņa ģimeni, kultūru, kurā viņš uzauga. Patiesībā jūs varētu paspēt ieraudzīt tajā sevi, savu māti, un tur ir šī Deja Vu sajūta, kas pārsteidz jūsu prātu, apskatot šīs vietas. Tas ir gandrīz tā, it kā jūs tur būtu bijis, varbūt dzīvē vai kaut kur pazudušā sapnī. Un, lai mākslinieks izstrādātu kaut ko tik personisku un intīmu, tas ir kaut kas patiesi ārpus vārdiem. Tā ir filma, kas pamato to, ko mēs vienmēr zinājām: kino ir vislielākā mākslas forma.

1. 2001: Kosmosa odiseja (1967)

Tāpat kā visi citi ieraksti šajā sarakstā, arī 2001. gads ir mācība filmu veidošanā. Vairāki filmu veidotāji, tostarp tādi kā Kristofers Nolans un Deniss Villenēvs, ir runājuši par to, kā filma ir bijusi viņu iedvesmas avots. Tātad, jā, filma ir tehnisks brīnums. Bet ne tāpēc filma ir tik daudz lielisku filmu saraksta augšgalā. Tā sēž augšpusē, jo tā ir filma, kas uzdrīkstējās doties uz vietu, kur vēl neviena filma nav bijusi. Elle, neviens pat nezināja, ka ir tāda vieta, kur kino varētu mērķēt. Un, ja kādreiz kino mākslai bija vajadzīgs pamatojums vai pierādījums, lai apstiprinātu, ka tās eksistences mērķis ir daudz vairāk nekā tikai izklaide, tad šeit tas ir: pilnīgi pārliecinošs un visnotaļ mītisks ‘2001: Kosmosa odiseja’.

Stenlijs Kubriks paplašināja kino redzesloku ar gandrīz visām savām filmām. Ar filmu “2001: Kosmosa odiseja” viņš arī piešķīra jaunu nozīmi kino sasniegumiem. Lielākā daļa filmu veidotāju kino izmanto kā mediju, lai stāstītu stāstu. Bet Kubriks apšaubīja kino. Ko viņš apšaubīja? Viss, sākot no Dieva līdz mūsu eksistences mērķim. Lai gan ‘2001: Kosmosa odiseja’ pati par sevi ir ļoti inteliģenta zinātniskās fantastikas filma, tā ir arī daudz vairāk. Es uzskatu, ka tā ir filma, kas drīzāk ir filozofisks meklējums, lai noteiktu, vai Dievs pastāv. Runā par tēmēšanu augstu!

.

Copyright © Visas Tiesības Aizsargātas | thetwilightmovie.com